Componiendo canciones (19) The Smiths y su primer disco

En una Inglaterra tatcheriana dominada por el tecno-pop y los Nuevos Románticos surgen The Smiths, un grupo de Manchester dispuestos a reivindicar el pop de guitarras mezclado con la mas emocionante poesia urbana.

El grupo giraba en torno al dúo: Steven Morrissey (un antiguo fan de los New york Dolls y poeta aficionado que será el letrista y el cantante ) y Johnny Marr, el compositor de la musica y que pronto se revelará pesar de su juventud (21 años) como un guitarrista seguidor de la tradición pero al mismo tiempo revolucionario en el concepto y tratamiento de los arreglos de guitarra.

Johnny Marr había aprendido sus primeros acordes a los 12 años. Era un fiel seguidor de T.Rex, Neil Young, Bo Didley, George Harrison y de la nueva ola neoyorkina (Patti Smith, Television, Talkin Heads). A todo esto sumaba una devocion por el guitarrista de Chic, Nile Rogers y por determinados guitarristas del folk britanico.

Despues de formar parte de un par de combos punks y recibir algunos lecciones de Billy Duffy, futuro guitarrista de The Cult, decide ir al encuentro de un extraño personaje del que le habian hablado y que vivía encerrado en su casa escribiendo poemas y viendo peliculas antiguas. Desde este primer encuentro Marr y Morrissey acuerdan quedar para componer canciones para otros artistas al modo de unos Leiber-Stoller modernos, pero Johnny viendo los progresos de Morrissey como cantante le anima a formar juntos una banda. Para ello eligieron el nombre mas vulgar, realista y sencillo que se les ocurrió: The Smiths que era como decir Los Pérez o Los García en España.

El siguiente paso eran conseguir una sección rítmica competente. Para el puesto de bajista Johnny pensó en un antiguo amigo de Manchester, Andy Rourke que ya habia militado en alguna de las bandas de adolescencia de Johnny. Andy Rourke se revelará como un bajista muy elegante, capaz de pulsar un energico tema funkero ("The Headmaster Ritual") o también de adornar la canción con contramelodias al mas puro estilo maccartniano como es el caso de "Heaven Knows Im Miserable Now".


Para el puesto de bateria pensaron en el miembro de un oscuro grupo punk de Manchester: Mike Joyce, capaz tambien de tocar la percusión desde lo mas enérgico hasta la balada mas comedida.

A finales de 1983 lanzan lo que será su primer single "Hand in glove", un tema basado en los arpergios de acorde mayores do y re, remarcada habilmente por una serie de breaks sincopados de bateria-bajo-guitarra, adornada además con una intro de armónica (cortesia de Johnny Marr). La melodia vocal es de una tristeza infinta y habla de un amor único e imposible: " No, este amor no es un amor cualquiera... este es distinto"

En la cara B de este single una cancion con un gran riff guitarrero con una pizca de distorsión:" Handsome Devil". Una canción que será polémica por su letra.

A partir de aqui The Smiths seguiran una politica que ya habian ensayado The Beatles en los años 60. Los singles y los Lps tendran vida independiente y rara vez los singles seran publicados en los discos grandes.

Otra novedad seran las portadas de todos los singles y Long Plays diseñadas por Morrissey y con fotografias en blanco y negro de alguna rara pelicula antigua y convenientemente viradas hacia algun color. En el caso de este primer disco hacia un rosa fuerte, que junto al torso desnudo del actor Joe D'Alessandro en seguida llaman la atención.

El segundo single de The Smiths si que causará¡ un gran impacto, no solo en Inglaterra sino en toda Europa: "This Charming Man" con su impresionante intro de guitarra ritmica sincopada y reminiscente del afrobeat. A todo esto le sigue unas lineas de bajo funky que llevan el peso de la canción mientra Johnny Marr va llenando la cancion de arpegios y mas arpegios ultramelódicos y cristalinos con su Rickenbaker 330 Jetglo. Morrissey mientras tanto canta una arrebatadora melodía de corte meláncolico.
Recuerdo cuando lo escuché por primera vez en Radio 3. Solo me dieron ganas de salir corriendo a la tienda de discos mas cercana y hacerme con el disco. No sé si han experimentado esa sensación... "This Charming Man" no salió en el LP original pero si lo hara¡ posteriormente en las ultimas reediciones del cd.

El disco The Smiths naturalmente fué uno de los discos mas importantes del año 84, pero su valor real radica en la influencia que ejerció en generaciones de guitarristas posteriores. Noel Gallagher cuenta el impacto que le supuso cuando vió en la tv a un jovencisimo Johnny Marr con su corte de pelo a lo Brian Jones y su Gibson 335 Cherry Red con vibrato bigsby. Ese dia Noel decidió que queria ser guitarrista de rock.
Importantes guitarristas actuales como Bernard Butler o Colin Greenwood de Radiohead lo citan entre sus principales influencias.
Este aspecto visual tambien es de destacar en las apariciones publicas de The Smiths. Johnny Marr siempre aparecerá en los conciertos o videos con guitarras "clásicas": Telecasters con bigsby, diversas Grescht, Les Pauls, Rickenbackers, Stratos. Johnny reivindica el valor de las guitarras antiguas no solo como productoras de sonido sino como iconos visuales del rock.

Otra curiosidad en el estilo guitarristico de Johnny Marr es la ausencia de solos. Su originalidad radica en las texturas que crea con las guitarras rítmicas, las afinaciones alternativas y el uso de sencillos motivos melodicos mediante el arpegio. Para Johnny la guitarra siempre esta al servicio de la canción. Con mucha razón la revista americana Guitar Player le calificará años mas tarde de guitarrista anti-héroe. (en el ultimo disco de estudio de The Smiths, Johnny se permitió un solo muy sencillo en el tema "Paint A Vulgar Picture"). Johnny Marr demuestra además ser un gran armonicista, un mas que competente pianista y un magnífico arreglista de cuerdas en los posteriores discos de The Smiths.

El disco comienza con "Real around the fountain": Ritmo de balada y preciosa melodia vocal, adornada por los arpegios limpios de las guitarras y un cautivador piano a cargo de un entonces desconocido Paul Carrack. Johnny comentaba en sus primeras entrevistas que aprendió a orquestar las canciones tratando de emular con la guitarra los metales en los viejos discos de los Four Tops y The Temptations.
"Real around the fountain" parece a primera vista una canción convencional de cuatro acordes: LaM-MiM-ReM-Fa#m, pero la canción tiene truco: Johnny habilmente le coloca una cejilla en el 2º traste a la guitarra, transformandose la tónica ahora en SolM, con lo cual la posibilidad de adornar los arpegios se amplifica y esto lo saben de memoria los musicos de country.

"You everything now" es un corte de tintes funkys con una melodia rabiosa de Morrissey. Lo mejor de este tema sucede en el estribillo: De los rasgeos de guitarra se pasa a una serie de intrincados arpegios que le dan a la cancion la originalidad que le faltaba a las estrofas. De nuevo los acordes son transportados a fa#.

"Miserable lie" comienza con unos acordes bastante sencillos para cambiar a mitad de la cancion el espiritu de la misma, merced a unos ritmos psicobillies, habilmentes remarcados por el contundente ritmo del bajo-Batería.

"Still ill" es una de las canciones mas curiosas y originales del disco y que coloca a Marr como un guitarrista con voz propia: la cancion gira a traves de unos arpegios sincopados de rara belleza, creando con la guitarra una melodia propia, independiente de la melodia vocal. La pasional letra de Morrissey hace el resto "no, no podemos aferrarnos a los sueños, a los viejos sueños...¿Rige el cuerpo a la mente o la mente al cuerpo?...no lo sé"...

"I dont owe you everything" es quizás la canción mas sesentera del disco con unas guitarras que son puro jingle jangle. No en vano Sandie Shaw la versioneará¡ unos meses después con The Smiths al completo en la instrumentación.

"What diference does it makes" es el tema mas rockero del disco con su riff distintivo que aparece a lo largo de toda la canción. Sin embargo lo mejor de ella es el entretejido de guitarras que consigue Marr y que sobre todo se aprecia en el ultimo minuto de la canción. Las texturas guitarreras a base de varias pistas, que Johnny consigue en esta canción son impagables.

Johnny Marr explicaba años mas tarde lo mucho que le debe al productor de este disco John Porter, antiguo bajista de Roxy Music. Según Marr, John Porter le dedicó todo el tiempo posible a la grabación de las diferentes pistas de guitarras; probaturas con diferentes microfonos, amplificadores (preferentemente el Fender Twin reverb y el Roland Jazz Chorus 120) y la distancia y altura entre estos.

John Porter no entendía como otros productores le dedicaban 3 y 4 dias a grabar y sonorizar una bateria y a las guitarras se las dejaba para los ultimos dias y a toda prisa. Porter le comentaba a Johnny que si este era un disco de guitarras lo normal era dedicar el mayor tiempo a ellas.

En definitiva The Smiths es un disco que marcará una época y cuyos ecos llegan hasta la música que se hace en estos momentos. El primer disco de The Smiths es un disco aparentemente muy convencional pero que encierra muchas enseñanzas que no se captan a la primera y eso es mucho decir cuando te compras un disco.

Componiendo canciones (18) Keith Richards habla de sus métodos compositivos

"No escribo ninguna autobiografía . Escribo canciones, no un diario. No desnudo mi alma, solo intento destilar sentimientos y experiencias por los que he pasado a lo largo de mi vida y que sin duda son también los de mucha gente, e intento evocarlos. Las únicas canciones que me interesan podrían significar algo para cualquier persona.
Ahora puedo extraer muchas cosas de mi vida. Puedo pulsar una emoción, se combinarla mejor. La vulnerabilidad es interesante. Siempre me gusta sugerirla, porque todo el mundo la tiene. Si tu puedes abrirte, también puedes hacer que los demás lo hagan...
En realidad no escribes cada canción como una pieza cerrada en si misma. Creo que la provocación y el misterio son mas poderosos e importantes. Es un poco como la vida , no estas seguro de lo que está pasando pero sigues adelante.Se trata de aceptar las cosas. Mis canciones hablan de donde tocar la fibra y de cuando hacerlo y no saber, del desconcierto..

Hay músicos que ponen caras raras cuando fallas una nota. Yo me alegro cuando sucede y pienso "Espera, esta podría ser el nacimiento de una nueva canción". Analiza tus errores, aprende de tu errores. Las canciones son bebes a los que alimentas lo mejor que sabes y los vas viendo crecer...

Escribir canciones es una práctica peculiar...estoy convencido de cuando eres artista captas cosa para las cuales has adquirido cierta sensibilidad.. Desarrollas otro sentido. Te crecen antenas. Eso es todo. Me siento como una antena. Las canciones ya están zumbando por la habitación y yo recibo y transmito. Me siento y toco mis canciones favoritas de Buddy Holly y Otis Redding, con la guitarra o con el piano, y con un poco de suerte de pronto sucede y surge algo. Tu eres la trasmisión pero vas buscando tu propia senda. De hecho las mejores canciones suelen surgir de accidentes...

Para mi sin duda la mayor aportación de Andrew Loog Oldham a los Rolling Stones fué encerrarnos a Mick y a mi en la cocina durante un dia y una noche y decirnos: "No los voy a dejar salir hasta que tengais una canción..."Nos lo dejó bien claro: ¡No podeís depender de otros compositores, de otras personas, para todo el material que necesiteis! A partir de ahora cada vez sereis mas dependientes. asi que empecemos ya. Cualquiera puede escribir una canción de pop".
Aquello nos impactó. Ni siquiera nos lo habiamos planteado. Andrew nos obligó literalmente a escribir canciones. Mi primera reacción fué "¿quien te has creido que soy, John Lennon?". En aquella época escribir canciones era trabajo de otro. Mi trabajo era tocar la guitarra y eso era todo lo que quería hacer. Tenía tanto de compositor como de físico nuclear. Era un campo de operaciones diferentes. Pero Andrew me demostró que si sabes tocar un instrumento, puedes escribir una canción...

Del libro de Victor Bockris "Keith Richards, Biografía desautorizada" Editorial Global Rythm

Componiendo canciones (17) Decálogo para compositores de rock ( folk o pop)

La semana pasada se me ocurrió hacer un decálogo o lista de consejos para compositores de pop a la manera de los decálogos que han hecho varios escritores (Monterroso, Quiroga, Vizinczey, Ray Bradbury, Onetti) para ayudar a escritores jovenes como guía y ayuda a la hora de empezar a escribir.
Lo que pretendo hacer es trasladar esa serie de consejos para escritores al territorio de la música (a ver si yo me los aplico tambien...)
El ámbito de la composición y la creatividad es un terreno siempre frágil y huidizo, y el que hayas compuesto una canción medianamente buena no te garantiza que vayas a componer otra igual de buena: vuelves a partir de cero.
Así que una guía para empezar a desbloquearte cuando estas en un momento en que no se te ocurre nada siempre viene bien.

1.- Cree en el maestro (Lennon, McCartney, Dylan, Reed, Silvio, Bolan, Brian Wilson, Morrissey, Johnny Marr, Tom Waits, Ray Davies, Neil Young, etc) como en Dios mismo.

2.- Resiste cuanto puedas la imitación pero imita si el influjo es demasiado fuerte.

3.- No busques ser original, el ser distinto es inevitable cuando uno no se preocupa de serlo.

4.- No sigas ninguna moda, abjura del maestro sagrado antes del tercer canto del gallo.

5.- No te limites a oir los discos ya consagrados (Abbey Road, Blonde on Blonde, The Queen is Dead, Pet Sounds, Dark side of the Moon, ) , Nick Drake no tuvo ningún exito cuando salieron sus discos, hoy dia está considerado un genio.

6.- Escucha las caras B (Eso hacían Los Beatles en Hamburgo y Liverpool para diferenciarse de los otros grupos)

7.- Al componer uno recuerda que está vivo y que eso es un privilegio.

8.- No hagas canciones pensando en la crítica, en los amigos o en los parientes, en la dulce novia o en la esposa. Ni siquiera en el oyente hipotético.

9.- Componer es una forma de supervivencia.

10.- Si no tocara la guitarra (o el piano) todos los dias uno acumularía veneno y empezaría a morir o a desquiciarse, o las dos cosas.

(Bueno amigos, hasta aqui el decálogo, ahora seguimos para premio de bingo...)

11.- Uno tiene que mantenerse borracho de música para que la realidad no lo destruya.

12.- El primer deber de un compositor es la efusión: ser una criatura de fiebres.

13.- En la rapidez está la verdad. Cuanto mas deprisa escriba una canción mas sincero seré.

14.- No desdeñes ningún tema a la hora de hacer una canción. Roba si es necesario.

15.- No persigas el éxito. El éxito acaba con muchos buenos compositores.

16.- Hay ideas en cualquier lugar.

17.- Me fascinan los viejos.

18.- En los libros de poesía hay ideas por todas partes.

19.- Todo lo que se hace hay que hacerlo con entusiasmo.

20.- Soy esa rareza de feria, el hombre con un niño dentro que lo recuerda todo.

21.- Para alimentar a la musa es preciso haber pasado hambre de vida desde niño.

22.- Si todo esto parece mecánico no lo es. Me guían las ideas. Cuanto mas hago, mas quiero hacer. Uno se vuelve voraz. Le entran fiebres, conoce júbilos.

23.- Creo firmemente que la cantidad redunda en la calidad.

24.- La cantidad da experiencia. Solo de la experiencia surge la calidad.

25.- No hace falta que te deprimas. No hace falta que te preocupes. No hace falta que empujes. Las ideas te siguen. Cuando bajen la guardia y esten lista para nacer; me doy la vuelta y las atrapo.

26.- No hay nada que fracase, todo continúa. Se ha hecho el trabajo. Si esta bien uno aprende. Si está mal aprende más todavía. El unico fracaso es detenerse. No trabajar es apagarse. No trabajar daña el proceso creativo.

27.- Deberíamos recordar que la fama y el dinero son dones que se nos otorgan solo "después" de que hayamos brindado al mundo nuestros dones mejores, nuestras verdades solitarias e individuales.

29.- La flecha debe volar hacia un objetivo que nunca hay que tener en cuenta.

Añado unos cuantos mas obra y gracia del compositor argentino Charly García

30.- Hacer una canción es muy facil o imposible

31.- Componer es matemática pura. A mi me interesa la fórmula.

32.- La letra es generalmente un complemento de la música.

33.- Si uno escribe solamente lo que le pasa, es periodista.

34.- Basicamente oomponer es como pintar, es usar un espacio, es como dibujar.

35.- No hay ningún misterio en componer. Como dijo Peter Gabriel "si le pones un revolver en la cabeza a alguien que quiera componer, es capaz de hacer una canción"

36.- Es muy importante saber tocar canciones para hacer canciones. Los grupos que solo tocan sus canciones no saben tocar otras canciones. Y generalmente sus temas son horribles: estan mal hechos. Hay veces que dos mas dos son cuatro.

Componiendo canciones (16) Bob Dylan sobre el proceso de escribir canciones

"Una canción es una experiencia; no hay necesidad de entender las palabras para entender la experiencia , y el intentar entender el significado concreto de las palabras puede destruir el sentimiento de la experiencia como un todo"

"las canciones no son mas que imágenes de lo que veo, atisbos de cosas, la vida quizá, tal y como se desarrolla a mi alrededor. No se limitan a ser palabras que se oyen. Estan desgarradas entre cosas distintas y la guia para el oyente está en el título de la canción"

"Las canciones son justamente pensamientos. Por un momento paran el tiempo. Escuchar algunas canciones es escuchar algunos pensamientos".

"La verdad es que la motivación es algo que desconoces detrás de las canciones. Sea la canción que sea nunca sabrás que motivación había.
Es agradable ser capaz de ubicarte en un entorno en el que puedes aceptar completamente todo el contenido inconsciente que te llega por los procedimientos internos de tu mente. Y bloquear toda la posibilidad de controlarlo...
Edgar Allan Poe debía hacer eso. Las personas que son escritores dedicados. Pero en general hoy la gente obtiene su información de la televisión o por algún medio que impacte tus sentidos.
Tienes que ser capaz de sacar los pensamientos de tu cabeza.
Ante todo hay dos tipos de pensamientos en tu cabeza: hay pensamientos buenos y pensamientos malos. Ambos pasan por tu mente. Algunas personas tienen mas de unos que de otros. Con todo, lo superan. Tienes que ser capaz de ordenarlos si quieres ser un cantautor, si quieres ser un cantante. Tienes que desprenderte de todo el lastre. Tendrías que ser capaz de desembarazarte de todos los pensamientos porque no significan nada y no hacen mas que tirar de ti.
Luego puedes hacer algo a partir de cierta supervisión de la situación. Cuentas con algún tipo de lugar desde donde puedes ver , pero sin que te afecte. Donde puedes aportar algo al asunto...
Componer canciones es como tomar algo de otro lugar que está siempre a un paso. No hay nada preestablecido. No hay reglas. Por eso resulta tan atractivo..."

"Intento componer la canción cuando me llega. Intento sacarla entera...Porque si no la coges entera nunca llegaras a cogerla. Por eso es lo de que los mejores tipos de canciones que uno puede escriobir se le ocurren a uno en habitaciones de motel y en los coches...lugares provisionales todos ellos. Porque no tiene uno mas remedio que hacerlo"

"A veces me resulta divertido rimar. Es como un juego. Ya sabes te sientas...Es como mentalmente...mentalmente...te produce emoción. Resulta emocionante rimar algo que puedas pensar que nunca antes se había rimado..."

"Bob Dylan. Las palabras". Vicente Escudero. Editorial Júcar.
"Dylan sobre Dylan" Jonathan Cott. Ed.Global Rhythm

Componiendo canciones (15) Paul McCartney explica como compuso Yesterday

Paul McCartney: Me desperté con una linda melodía en la cabeza. Pensé:"Que genial, ¿que será?. A mi lado había un piano vertical. salí de la cama, me senté al piano, encontré sol, encontré fa sostenido menor septima...y eso te lleva a si y a mi menor. Todo avanza de forma lógica. Me gustó la melodía pero como la había soñado no podía creer que la habia escrito. Pensé: "No, nunca antes he escrito así. pero tenía la melodía que era de lo más mágico. Y tienes que preguntarte. "¿De donde salió?...
Investigué la melodía y la gente me decía: "No, es hermosa, seguro que es tuya". Me esperé un buen tiempo antes de reclamarla como mía. No tenía letra. Solía llamarla "Scrambled Eggs" (huevos revueltos)
Siempre he tenido mucho cuidado en no repetir melodías de otros, porque es muy fácil hacerlo cuando compones.
En unas vacaciones en Albufeira (al sur de Portugal) empezé a desarrollar la idea de la letra. Sabía que las sílabas tenían que combinar con la melodía: da-da-da, yes-ter-day, su-dden-ly, fun-ni-ly. All my troubles seemed so far away. Es fácil rimar con esas palabras: say, nay, today, away, play. stay; hay muchas rimas y se te ocurren con gran facilidad, así que poco a poco fuí armandola a partir de esas vacaciones en Portugal.

La toqué para George y Ringo y me dijeron: "Hermosa, muy linda. Ringo dijo: "Realmente no creo que pueda tocar la batería en esa". George dijo: "Bueno, yo tampoco puedo agregarle mucho". Y John dijo "no se me ocurre nada; creo que deberías hacerla solo. Es una canción para un solista.
Y así la hice: solo mi guitarra y yo. Después George Martin tuvo la idea de agregarle un cuarteto de cuerdas y le dije: "No, no creo. Me contestó: "Tengo la sensación de que quedará muy bien. Ya me parece oirlo". Le contesté: "Ah, un cuarteto de cuerdas, eso es muy clásico, realmente no me interesa...". pero él con inteligencia, insistió: "Intentémoslo", y me pareció justo. "Si no nos gusta - me dijo- , podemos quitarla y volver al principio".

("Paul McCartney. Hace muchos años". autor Barry Miles. Editorial EMECË)

Componiendo canciones: (14) las canciones de tres acordes

El uso de los tres acordes es el mas común de los trucos de la composición en el rock.
Lo primero que me enseñaron en la guitarra fueron los acordes de MI mayor , La mayor y SI Septima para poder tocar un rock and roll. ¡que bien me lo pasaba rasgeando el Mi mayor y que fuerza tiene ese acorde!. En el dvd "Antologhy" Paul McCartney explica cuando Lennon, Harrison y él se recorrieron todo Liverpool para que un "avanzado" les enseñara como se hacía el acorde de SI Séptima. Te imaginas a los Beatles adolescentes descubriendo la piedra filosofal del rock and roll.

En el rock and roll mas antiguo hay infinidad de canciones de Chuck Berry, Little Richards, Carl Perkins, Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, etc usando como herramienta principal los tres acordes I IV y V, heredados directamente del blues de 12 compases.

Pero no solo en el rock de los 50, tambien en cosas mas actuales. Status Quo construyen casi toda su discografia con los acordes clásicos del rock. Canciones como "La Balada de John y Yoko" "Satisfaction" tambien se basan en los tres acordes sencillos que hicieron posible toda la explosion rock de los años 50.

También es la fórmula para infinidad de canciones pop como "Twist And Shout", "Should I Stay Or Should I Go" "Common People", "La Bamba".
Los tres acordes los puedes utilizar en cualquier orden. I V IV : "Brimfull of Asha", "If Not For You".
O añadir acordes menores. I III VI : DO MIm LAm ("Instant Karma").

Pero tambien puedes crear turnarounds de cuatro acordes utilizando tres. Repitiendo uno de los acordes creas un turnaround de tres acordes. ("Lay Down Sally" I IV V I = DO FA SOL DO), ("Peggy Sue" I IV I V = DO FA DO SOL), ("Ask Me Why" "I Shall Be Released" I II III II = DO REm MIm REm)
En fin... hay infinidad de variaciones en los turnarounds de tres acordes. "Eight days a Week" RE MI SOL RE.

Una vez lei en una entrevista a una compositora norteamericana de folk en las que ella explicaba que miraba los acordes como si fueran cartas de baraja y barajaba las cartas o acordes y asi iba creando nuevas sucesiones o nuevos turnarounds y a partir de ahi trataba de componer nuevas canciones. ¿buen truco? ¿verdad?

Componiendo canciones (12+1) Las canciones de 4 acordes. El turnaround del doo-wop

Después de unas semanas de inactividad motivado por los examenes de la UNED, volvemos a la carga en este blog con nuevas pildoras para reflexionar sobre el proceso de hacer canciones. Prometo ser mas constante en el mantenimiento de este blog...
Hoy pasamos directamente a las canciones de cuatro acordes: el turnaround del doo-wop (nos saltamos esta vez las canciones de tres acordes, pero lo haremos en próximas entregas).
Lo explicamos en pocas palabras: el turnaround es una sucesión de acordes que se repiten una y otra vez y que siempre funciona como generador de canciones. Solo hay que encontrar una melodia vocal por encima de la instrumentación, escribit una letra cojonuda y ...¡alehop! !ya tenemos canción!. Sign your life que decía Morrissey...

El turnaround tiene una nota central que es la tónica y a partir de aqui buscamos los relativos menores y rematamos con el acorde de salida. Si la tónica es DO, el relativo menor seria LA menor, luego iriamos a RE menor y terminaríamos con la nota dominante SOL7.
En terminos de cadencias o grados de tonalidad estariamos hablando de la sucesión I VI II V. El grado I seria la tónica o nota principal , el VI seria la superdominante , el II la supertonica y el V seria el dominante. ¿complicado?...lo entiendo, yo tambien me lío con estos tecnicismos.

Vamos a explicarlo de modo mas sencillo en otra sucesión de acordes: Si la tónica fuera RE, el turnaround sería RE-SIm-MIm-LA7.
Si la Tónica fuera SOL el turnaround seria SOL-MIm-LAm-RE7.

Para poner algo práctico que se pueda entender de modo fácil: la sucesión de acordes del bolero "Perfidia" es un ejemplo perfecto para explicar este turnaround.Para mi "Perfidia" es especial: fué una de las primeras canciones que me enseñaron a tocar en la guitarra y me fascinaba que a partir de aqui se pudieran interpretar otras canciones con los mismos acordes.
Y todo esto suena tan bien porque DO-LAm-REm y SOL7 comparten algunas notas comunes y eso hace funcionar tan bien estos acordes mágicos.
Tambien los acordes de estrofa de "Girl" de The Beatles son otro exponente del turnaround de 4 acordes. The Beatles lo aprendieron directamente de los grupos de doo-wop.
Cuando Paul MacCartney vió por primera vez a Lennon con The Quarrymen en un parque de Liverpool, éste interpretaba un clásico del doo-wop: "Come go with me" de Del-Vikings.
Y Los Beatles absorbieron magistralmemnte estas influencias a lo largo de su carrera: "Tell my why", "This boy", "Penny lane" y el chorus de "Your gonna lose that girl" son ejemplos claros del uso del turnaround "estilo doo-wop".
"Return to sender" de Elvis Presley , "Hungry heart" de Bruce Springteen son otros ejemplos del I VI II V y por eso tienen ese sabor cincuentero.

Bueno amigos: ¡a que esperan para hacer una canción con este turnaround de doo-wop!.¡Estan tardando!. Hasta la próxima...

Componiendo canciones (12) ¿Como se compuso?

“Sin documentos”, de Los Rodríguez
Por Andres Calamaro
La canción nace en Madrid. Tal vez la hice en una casa de la calle Martínez Campos o quizás en la sala de ensayo de la calle Tablada número 25, donde está filmada la película de Almodóvar Laberinto de pasiones. Los documentos, por ejemplo la cédula de identidad, son parte de nuestra cultura y de la idiosincrasia policial. Para los de mi edad está relacionado con la persecución y la represión, era un asunto bastante heavy con la policía, y lo sigue siendo. Además, para los extranjeros en Europa también es importante: la mitad de Los Rodríguez estábamos indocumentados. Estábamos conquistando España sin documentos, lo cual era divertido. Pero la letra es estrictamente sentimental. Es otra estúpida canción de amor, indudablemente. Es el varón frente a la amplitud del corazón latiéndole. La constante de esa letra parece ser el insomnio, el romance, una idea vacía y el paso del tiempo. Muchas veces se piensa que una canción es letra y música, pero en realidad, son muchas más cosas... Aunque la música y la letra parecen balanceadas, creo que hay otras cosas que la hacen un poco más importante, como el fervor y un buen título. “Sin documentos” tiene esa particularidad: el pueblo las pudo cantar con el brazo en alto. Otra estrategia es el intervalo, el primer acorde es un Sol Menor muy sencillo y yo empiezo a cantar en un Re, en la quinta... ¡Cómo suena esa distancia! Es lo mismo que en “Mil horas”, “Días distintos” y “Para no olvidar”. El mismo intervalo, el mismo tono. Me parece que deliberadamente estaba usando cosas de “Mil horas” diez años después, para ver si podía repetir esa sensación triunfal.

(Del libro de Maitena Aboitiz "Antologia del rock argentino"

Componiendo canciones (11) Las canciones de dos acordes

Me recordaba mi amigo y socio musical Miguelo Arencibia unas declaraciones de Lou Reed en las que contaba que cuando trataba de componer una canción lo hacía siempre sobre un acorde, si aparecia otro acorde la cosa se complicaba y si la canción tenía tres acordes entonces para Lou esta se convertía en puro jazz.

No vamos a llegar a tanta ironía, pero hay que reconocer que existen canciones magníficas con solo dos acordes. En España sin ir mas lejos tenemos a Radio Futura que siguiendo las enseñanzas de los Talking Heads crearon enormes canciones de solo dos acordes: "Escuela de calor"(LA-Sol), "No tocarte"," En el chino", todas ellas con un elemento funky muy acentuado. A mi me intrigaba especialmente porqué "Escuela de calor" me resultaba tan buena y divertida teniendo solo dos acordes. ¿donde radicaba el truco? ¿en la letra tan oscura y tan llena de imágenes? ¿en el pegadizo riff de Enrique Sierra?¿en la intro de bateria de Solrac? ¿en la melodía vocal de Santiago Auserón?. La gente habla mucho de "La chica de ayer", pero para mi hay un antes y un después en el pop español cuando se editan "la estatua del jardin botánico" y "Escuela de calor"

The Police hicieron varias veces el truco de los dos acordes en canciones como "One world" o "Too much information".Y siempre con magníficos resultados.

También estan las canciones de cuatro, cinco acordes, pero donde la estructura principal de las estrofas se asienta sobre dos acordes principales que se suceden a lo largo de la canción: "My girl" de los Temptations, "Walk on the wild side" de Lou Reed, "Angel of Harlem" de U2. Todas estas hacen el clásico cambio de Do Mayor a Fa Mayor., que aprendíamos cuando empezabamos a tocar la guitarra. (¡Que díficil resultaba hacer el fa con el dedo índice!)
Un cambio muy interesante para las canciones ocurre cuando estamos en tono mayor y luego cambiamos al relativo menor. Por ejemplo de DO Mayor a LA menor: Esto pasa en la estructura principal de canciones como Marie is the name (his latest flame) que cantaba Elvis Presley ,y en el que The Smiths se inspiraron en su segundo disco de estudio para componer "Rusholme ruffians", otros ejemplos son "You really got a hold on me" de The Miracles y "Itchyoo park" de Small Faces.

Una variación muy sugestiva es cuando los dos acordes son menores, como sucede en "Losing my religion", que va de Mi menor a la menor o "The Model" de Kraftwert.

Tambien resulta interesante ir de un acorde menor a un acorde mayor como acontece en "Spirits in the material world" de The Police, que en la estrofa va desde el la menor hasta el Sol mayor. O "My sweet lord" de George Harrison y "Venus" de Shocking Blue, que van desde el Mi menor al La mayor (En el caso de "My sweet lord" habria que poner una cejilla en el 2º traste con lo que el mi menor se convertiría en Fa# menor y La se transforma en Si mayor.

En las canciones de dos acordes son muy importantes las lineas de bajo, que le pueden poner el sabor, el toque añadido, las especias en terminos culinarios a algo que en principio puede parecer aburrido y reiterativo. Una armonización inteligente en canciones de dos acordes pueden hacer de la canción algo memorable.

En definitiva para componer canciones no hay normas, no hay fórmulas infalibles, no hay reglas inmutables: cada uno debe guiarse por el instinto y no es mala idea empezar con solo dos acordes para no complicarnos la vida. Muchas veces, menos es mas.

Componiendo canciones (10)¿Como se compuso?

“De música ligera”, de Soda Stereo
Por Gustavo Cerati:
Mis padres tenían una caja de discos que se llamaba “Clásicos ligeros de todos los tiempos” donde había música de películas, obras clásicas y de todo, mezclando Mozart con Ennio Morricone. Esas palabras me habían pegado mucho y a mí me quedó sonando siempre la frase de “clásicos ligeros”. ¡Todo el tiempo vuelvo a lo que hacía cuando era chico! Es un momento en el que salieron muchísimas cosas: ideas musicales, ideas con la guitarra y cosas que ahora no se me ocurriría hacerlas. Por otro lado, había participado en el disco Conga, de Daniel Melero, tocando en un tema que se llamaba “Música lenta” que decía: “serán los efectos de la música lenta”. Y fue como una especie de respuesta velada, porque me impulsaron esa misma canción y los efectos de la música lenta. Después me acordé de los clásicos ligeros y de la música ligera, y empecé a escribir sobre lo que significaba un poco la idea del pop. Por un lado, no podés zafar de ello y siempre está bueno escuchar una canción así, donde no tenés ni qué pensar, porque simplemente está y te arrasa. Por otro lado, no es que te quede tanto, sino que es sólo un momento en la vida. Fue uno de los temas más instantáneos que tuvimos con Soda Stereo. Fue llegar a la sala, empecé a tocar el riff, y salió. Musicalmente, lo creamos los tres. La letra la escribí ahí mismo, no entera, pero parte sí. La mayoría de las veces la motivación para escribir, la inspiración, te sale de la misma música. La misma música tiene los ingredientes necesarios a la letra, hay algo de lo que me está hablando la música. En este caso era lo más liviano y lo más pop que podía imaginar, era como una canción que había estado guardada durante mucho tiempo ahí. Lo primero que siempre escribo es el estribillo, que aquí fue: “de aquel amor de música ligera”. Después habla de la música en sí: “ella durmió al calor de las masas y yo desperté queriendo soñarla”. ¡Es eso, es la música hablando! Entre nosotros sentíamos y sabíamos que ese tema iba a reventar. A veces lo sentís eso. Y por la forma tan instantánea en que salió fue como si la hubieran tocado diez mil grupos antes. Quizás no fue así... ¡la tocaron diez mil grupos después!

(Del libro de Maitena Aboitiz "Antología del rock argentino"

Componiendo canciones (9) Las canciones de un acorde

El ejemplo de canción hecha sobre un solo acorde que sea conocida por mucha gente y que además es una gran canción, es el último tema del disco de The Beatles, "Revolver": "Tomorrow never Knows".
Aquí tenemos a John Lennon en plan avant-garde. John Lennon en estado puro, experimentando.
A Lennon se le ocurrió hacer una canción que fuera casi como un mantra en el acorde de Sol. La letra estaba inspirada en el "Libro tibetano de los muertos", que leia por entonces.
Los Beatles para adornarlo grabaron una serie de loops con diferentes ruidos y lo fueron sincronizando con los rudimentarios medios de Abbey Road en esa época. Todavía se grababa en 4 pistas. Aunque la idea inicial de Lennon era que cantaran unos monjes tibetanos auténticos.
El resultado: una de las canciones que mas sorprendió a los oyentes de la época y que demostraba que los Beatles evolucionaban al ritmo de los tiempos. Y canción que no ha perdido actualidad.
Naturalmente "Tomorrow never knows" tenía antecedentes dentro de su discografía: casi toda la primera estrofa de "Ticket to ride" esta cantanda en el acorde de La mayor . A los siete compases de estar en La mayor ("drivin me mad , its going away") viene el primer cambio de acordes a Si menor.
Tambien las estrofas de "Paperback Writer" estan cantadas en el único acorde de Sol. Otra cosa son los estribillos donde ya hay cambios armónicos.
"Tomorrow never knows" proviene de las influencias de la música hindú que empezaron a manifestarse en el Rubber Soul. Sobre todo fué George Harrison el catalizador de esta corriente dentro del grupo dado su interés en la cultura india. En la discografía de The Beatles podriamos hablar de canciones como "Love you too", "She said, she said", "Rain"en donde se escucha claramente este tipo de estilo.
Otras canciónes conocidas construídas alrededor de un solo acorde son "Exodus" de Bob Marley en La menor y "Careful with that axe, Eugene" de Pink Floyd en do# menor.

Componiendo canciones (8) el ritmo

Las canciones se basan en la conjuncion de letra, melodia, armonía y ritmo. Ya hemos hablado de la letra, de la melodía, de los riffs. Hoy vamos a hablar de algo del que tengo un conocimiento mas intuitivo que práctico: el ritmo.
El ritmo no es menos importante que la armonia y la melodia, aunque muchos compositores no le den mayor importancia.
Dentro de la musica rock, que es la que estamos tratando mayormente en este blog, el ritmo mas utilizado es el 4/4, seguido del 3/4. tambien se utilizan otros ritmos como el 2/4 , el 6/8, el 12/8, etc.
El ritmo en las canciones viene marcado por la batería y la manera de golpear del baterista, su uso del bombo, caja, charles, toms y demas platos es lo que puede hacer distintivo una canción. Un batería tocando el mismo ritmo que otro bateria puede engrandecer o empeorar una canción.
En las canciones folk el ritmo viene implicito en la manera de rasguear la guitarra.

Reconozco que no soy una persona muy versada en ritmos, pero como oyente siento que determinados patterns o patrones de bateria me tocan la vena sensible., me hacen mover las piernas o me elevan una canción que puede parecer aburrida.
Pero algo de eso le pasaba a John Lennon que se encogia de hombros cuando le explicaban que "Good Morning, good morning" la habia compuesto en el inusual ritmo de 5/4 . Como diciendo: yo pasaba por aqui y no se muy bien que ritmo le queria dar a la canción.

En estilos como la música soul ya sea de Motown o Atlantic-Stax el ritmo es tan o mas importante que otros elementos de la canción. Esto último lo leí una entrevista con el gran compositor de la Motown Lamon Dozier. La discográfica Motown tenia por lo visto un par de baterias (Uriel Jones muerto recientemente) de estudio que fueron los que les dieron el caracteristico sello a las canciones de The Supremes, Marvin Gaye, the Temptations o Stevie Wonder. Uriel Jones merece un monumento solo por tocar en la grabación de "Aint no mountain high enough" , la fabulosa canción de Marvin Gaye y Tammy Terrel.
O el baterista Al Jackson de los estudios de Stax y que grabó todos los discos de Wilson Pickett, Otis Redding, Sam and Dave y demas figurones del soul sureño: "Hold on, I´m coming", "Respect", "I can´t turn you loose", "Green Onions", "(Sitting on) the dock of the bay", etc. ¡fabuloso Al Jackson!

En la música disco de los 70 que es heredera del soul de los 60, el ritmo y los tempos cada vez mas acelerados son primordiales para que los Travoltas de la época se desmelenaran en las discotecas, boites y demás antros nocturnos.

En el rock el uso de la bateria como elemento fundamental hace que los buenos bateristass se valoren al alza. Los Beatles no ficharon a Ringo Starr por un simple capricho. Ya lo habian visto tocar en Hamburgo y solo hay que escuchar el rotundo uso de los parches en "Twist and Shout", el toque original de "Ticket to ride","Come Together" o la intro de "Paperback Writer" para entender porque Ringo era tan bueno, aunque muchos enteradillos de la época lo tildaran de bateria mediocre.
¿Y que me dicen de Keith Moon?. La musica de The Who no hubiera sido la misma sin un bateria tan explosivo e inventivo.
Otro bateria magistral y que marcó el rock de la década de los 70 es John Bonham y su golpeo profundo y elegante. Su uso del pedal de bombo marcan muchas canciones de Led Zeppelin.

Finalmente unas pocas lineas para hablar del bateria mas imaginativo a mi modo de ver de las tres últimas décadas: Stewart Copeland (je, je, je, la foto del post me ha delatado...). Solo oirlo tocar en los primeros compases de "Roxanne" te da la medida de lo que se va a convertir mas tarde. Stewart Copeland hizo un uso tan sofisticado y potente de los ritmos reggae mezclandolos con los ritmos mas rockeros (a veces ritmos étnicos) que creó escuela. Manejaba todos los elementos de su Tama (especialmente el charles) como pocos. A mi especialmente me llamaba la atención unos tambores delgaditos y alargados y que nunca se los había visto antes a ningún baterista. Luego supe que se llamaban octovanes.
Stewart Copeland es un batería exhuberante y sencillo al mismo tiempo, nunca hizo un solo en un disco, pero te puedes pegar horas prestando atención a su manera de tocar y a su "sonido". (Me encanta oirlo golpear los parches en "One world", "Too much information","No time this time" o en "Bombs away"). Al hacer Sting un uso tan minimal de las lineas de bajo provocaba que el sonido de la bateria este tan presente en las grabaciones de The Police.

Asi que si no tienen una buena caja de ritmos para componer, un consejo: ¡contraten a un buen batería!

A los seguidores del blog les pido esta vez que me comenten sonidos o ritmos de bateria que les hayan impactado. (Asi a bote pronto, a mi me encanta el sonido y el feel de la bateria de "Satisfaction" de los Rolling Stones cuando Jagger dice aquello de "no, no, no" y se quedan solos bateria y pandereta (min 1,03), ese sonido para mí es mágico y tan o más importante que el riff de guitarra.)
(Prohibido poner "We will rock you", las normas de buen gusto de este blog asi lo imponen)

Componiendo canciones (7) R.E.M. contando sus secretos

Peter Buck: Michael (Stipe) y yo empezamos a componer juntos antes de empezar con la la banda. Escribimos alrededor de 40 canciones de las que solo sobrevivieron 2 y que luego grabariamos posteriormente. La primera canción que grabamos fué "Guardian night" , "Just a touch" tambien fue escrita entonces pero no la grabamos hasta el cuarto album.
Nosotros siempre estabamos juntos y compusimos tres canciones el primer dia. Todas ellas muy imitativas de la música que nos gustaba. La mayoría estaban en el acorde de La mayor, que era el mas familiar para mi...
Los acordes menores los descubrí cuando formamos la banda. En los primeros tiempos Michael y yo traimos las canciones acabadas pero luego empezamos a escribir en tandems: Mike Mills y yo, Michael y Bill Berry, Michael con Mike, etc. Y le mostrabamos lo que componíamos a los otros colegas. Mas tarde empezamos a componer los cuatro juntos. Cada uno hacia canciones por su cuenta y lo enseñaba al grupo, que entonces lo editaba. Nos reuniamos en el local de ensayo y uno cogía el organo, otro la guitarra, otro el bajo (no necesariamente su instrumento), y yo podía estar tocando la batería mientras Bill tocaba la guitarra o el bajo...

Peter Buck: Cuando Michael viene con las letras para insertarlas en la música casi nunca le ponemos objeciones.
Bill Berry: A lo mejor cambiamos una palabra o dos, pero eso es todo.
Buck: Cada uno individualmente puede tambien vetar una canción...
Berry: Pero el sentido melódico de Michael es misterioso. Nunca hemos tenido problemas con eso.
Buck: Es extraño. Michael oye un riff de bajo o un riff en la guitarra y dice "la melodia debe salir a partir de aqui" y viene luego con sus extrañas frases.
Es divertido, si tu analizas las canciones : las melodías de Michael viene un montón de veces del bajo y eso me hace cambiar muchas veces los acordes cuando estamos estructurando la canción...

Michael Stipe : La música que va surgiendo me va sugiriendo las palabras, pero muchas veces las palabras van cambiando ligeramente la musica..."Shiny happy people" era originalmente una cancion acústica muy tranquila y al final se convirtió en una canción rock muy alegre lo cual es complicado, porque lo fácil es hacer una canción triste. La felicidad real es muy dificil de describir porque tiene algo de tonto...
El componer canciones es misterioso para mi. Algunos veces pienso que la representación de una melodia es como la interpretación de tus conversaciones internas . O por poner un ejemplo lo que interpreta posteriormente un director de videoclips de tu canción.

Nosotros eliminamos versos enteros excelentes y buenos estribillos porque son innecesarios o porque lo realmente importante es otro elemento dentro de la canción. Rearreglamos la canción hasta encontrarle el sentido.
- ¿Escribes la mayoria de las melodias Michael?
- Mi labor en la banda esta mas enfocada a los arreglos. Yo suelo decir en los ensayos: - " Hey muchachos, toquen eso que acaban de hacer".
Creo que soy bueno arreglando desde un punto de vista no musical en la banda. Yo no estoy educado musicalmente como puede estarlo Mike Mills, pero creo que es bueno mirar las canciones desde esta perspectiva.
"Songwriters on songwriting" Paul Zollo . editorial Dacapo press

Componiendo canciones (6) El riff

Muchas de las canciones rock que conocemos estan escritas alrededor de un riff de guitarra.
Un riff es un grupo de notas que hacen identificativa una canción. Son como el carnet de identidad de las canciones. Los riffs suelen ser sencillos y fáciles de tocar. Si no son fáciles de tocar probablemente estaremos hablando de jazz.
Los riffs se colocan en la intro de la canción para llamar la atención del oyente y después se repiten estrategicamente a lo largo de la canción.
El ejemplo de canción que comienza con un riff sencillo e impactante es "I can´t get no (Satisfaction)" de The Rolling Stones. Keith Richards, el compositor de la canción lo cuenta:
- En "Satisfaction" yo toqué aquel famoso fragmento de guitarra con efecto de fuzztone con la intención de hacer notar que allí había que poner unos vientos y que debían hacer esa frase. Por lo demás, ya habíamos acabado de grabar el disco. Pero Andrew Low-Oldham (productor y manager) vió que allí había algo bueno, y estando ya en la carretera, nos dijeron que habia decidido que "Satisfaction" iba a ser el single. Nosotros nos fuímos del estudio pensando que ese tema había que acabarlo, pero a veces los esbozos del pintor son mejores que el cuadro final.
De repente estaba oyendo el tema en todas las emisoras y pensé "no esta mal, no me voy a quejar"...
The Rolling Stones tienen muchas canciones construidas alrededor de fantásticos riffs: "Brown Sugar", "Star Me Up", "Jumpin Jack Flash", "Honky Tonk Woman", etc.

Otro grupo que se basa mucho en los riffs a la hora de componer sus canciones es ACDC.
-¿Como te las apañas Angus (Young) para hacer esos riffs cojonudos?
- Simplemente tengo buenas orejas. Toco por instinto. No intento ser el número uno ni nada por el estilo. Con los riffs siempre buscamos que sean algo especial. La experiencia nos dice que es mucho mas complicado obtener algo brillante y simple sin caer en lo potente y facilón. Tiene que ver mucho con el ritmo. Siempre intentamos ir hacia algo mas blues, algo mas ritmico...y nos gusta que sea una canción, que fluya, que sea natural y no solo una colección de riffs.

The Beatles que eran unos autenticos expertos a la hora de recoger influencias de su alrededor tienen algunas canciones compuestas alrededor de brillantes riffs : "Paperback writer", "Day Tripper", "I feel fine"," I want to tell you", "Ticket to ride".

El riff es en definitiva el gancho de la canción. La frase definitiva y la piedra angular desde la que se puede construir una buena canción de rock and roll.
Ejemplos a cientos: "Smoke on the water" (pesadilla de los dependientes de tiendas de guitarras), "Whola lotta love" "You really got me", "Purple haze", "Twist and Shout", "Down on the corner","Get it on", "Telegram Sam", "Jeepster", "I Can't Explain","Le freak"(esta no es rock, pero vale), "My Sharonna","Shiny happy people", "Pop song 89","What Difference Does It Make?","Smell like teen spirit, "Supersonic", "Up in the sky","Chemical world, "Song 2","There she goes", etc.

El heavy metal y el rock duro en general estan llenos de canciones con riff potentes.
Un riff podría estar arpegiado con Rickenbaker de 12 cuerdas al estilo de The Byrds "Mr Tambourine man"y "Turn, turn, turn".
Tambien podría serlo a base de acordes con quintas, como las intros de The Ramones "Blitzkrieg Bop", "I dont care", "Loudmouth","Cretin Hop", "Habana affair", etc.
Me encanta como comienza "My sharonna", primero la bateria, luego el riff de bajo y luego las guitarras.
Un riff de mandolina que todo el mundo reconoce al instante: "Losing my religion".
Con sintetizador como "Don´t you want me"de The Human League.
Riff o dibujos de piano como hacen muy bien Coldplay en "Trouble", "Clocks"o "Speed of sound"
O un riff de bajo, como la inmortal "Get on your Knees" de nuestros paisanos Los Canarios.
(continuará)

Componiendo canciones (5) La melodía

El pilar principal donde se asientan las grandes canciones son las melodías. La letra es importante, el ritmo también, la armonización de los instrumentos por supuesto; pero la melodía es vital para que la canción se quede en el corazón y el alma de los oyentes.
Una buena letra con una melodía pésima o mediocre pasa rapidamente al olvido. ¿Cuantas letras para posibles canciones, que por ser mal musicadas no llegan a ninguna parte?

Las melodías son las que atrapan al oyente y le hacen tararear o silbar una canción.
En la creación de las melodías interviene principalmente la inspiración de los compositores. Muchos compositores dicen que es algo mágico, de repente han sacado una melodía de la nada. Y eso es porque la melodía nunca es tan pensada como lo puede ser una letra o un arreglo instrumental.

El poder de una gran melodía es díficil de evaluar. Normalmente las grandes melodías se quedan como clásicos de la música popular. Hay canciones compuestas hace mas de 30, 40 años que siguen manteniendo intacto su poder de seducción ante las nuevas generaciones de oyentes.

Pero las melodías son tambien algo muy personal. Interviene el gusto del oyente, su educación musical, sus fobias, etc.
Conozco a gente incapaz de reconocer el valor de The Beatles como creadores de grandes canciones-melodías, pero probablemente porque en sus gustos estéticos los consideran excesivamente poppies o edulcorados. O simplemente no les gusta el careto de McCartney.
Una melodía de The Smiths me puede resultar fantástica a mi y a otro oyente le puede parecer vulgar. Porque las melodías afectan a los sentimientos, y por eso nos enamoran las canciones en inglés aunque no entendamos nada y solamente sepamos de ella poco mas que el título en español.

Existen también melodías adhesivas que pueden resultar irritantes como "Tenia tanto que contarte" de Nena Daconte pero a la que reconozco su alto poder de seducción. Hace poco me tropecé con unos niños de aproximadamente 8 o 9 años cantandola por la calle...
Y me acordé de cuando Paul McCartney afirmó que "Yellow submarine" la compuso a propósito para que la cantaran los niños. Aún hoy todavía las aficiones de fútbol en Inglaterra entonan el "All Together Now" de The Beatles en los estadios.

Para el el experto en songwriting Rikky Rooksby las melodías se clasifican en dos grupos principales: melodías lineales y melodías verticales.

Melodías lineales son las canciones en que las notas no varían mucho a partir de la nota tónica principal. Ejemplo: casi todas las canciones de Bruce Springteen o Bob Dylan, tienen un tono casi narrativo-conversacional y la melodía desde que empieza la canción apenas va cambiando nada hasta el outro o final. A lo mejor puede haber un giro melódico en el estribillo, pero suele ser un cambio apenas perceptible.

La melodías verticales son las que hacen un amplio recorrido por la escala del pentagrama y tienen digamos un tono mas cantarín. Ejemplo de melodías verticales podrían ser "Penny Lane", "Alone again", "Yesterday" "Close to You","Rains drops keep falling on my head" etc.

Hay melodías lineales con un alto poder hipnótico: es el caso de "I am the walrus" , "Lucy in the sky with diamonds"y "Tomorrow never Kowns". En estas canciones John Lennon canta practicamente en la misma nota mientras la armonía (El bajo, el piano, el clavicordio, la orquesta en "walrus") van moviendose por detras de la melodía.
Pero también hay melodías lineales en canciones más pop. En "I Should have known better" (A hards days nigth) Lennon canta la melodía vocal practicamente en una misma nota hasta la llegada del puente.

Un grupo que hace fantásticas melodías tanto verticales como lineales son R.E.M. Un ejemplo de linealidad bien entendida en R.E.M. es una canción rock-narrativa como "Its the end of the world and we Know it (and I feel fine)"o las estrofas de "Man on the moon"(luego la verticalizan en el puente y estribillo)

La foto es de Burt Bacharach (gran hacedor de melodías inolvidables) el letrista Hal David y Dionne Warwick trabajando en el estudio.

(continuará)

Componiendo canciones (4) Traveling Wilburys in action

Las sesiones de composición del primer album de The Traveling Wilburys:(Bob Dylan, Se busca por John Bauldie. Editorial Celeste.)


- George Harrison: Teníamos 9 o 10 dias para componer el disco. Era un despilfarro utilizar "Handle with care" como single de "Cloud Nine"...asi que dijimos: ¡De acuerdo! Escribiremos una canción cada dia". Y eso fué lo que hicimos. Fué muy excitante y agotador.
Hay una buena anecdota de "Handle with care", porque ya teniamos la melodía grabada...todas las guitarras rítmicas, pero necesitabamos la letra. Y yo andaba con un trozo de papel y lápiz, intentando pensar en un título, y dije: "¡Venga! ¡danos la letra!". Y Bob Dylan dijo: "Bueno ¿De que vá? ¿Como se titula?. Y yo estaba mirando en el garaje de Dylan, y detrás de la puerta del garaje había una gran caja de cartón donde decía "Handle with care". Asi que dije: "se titula Handle with care"("Trátese con cuidado"), y él dijo. Oh, eso está muy bien. ¡Me gusta!. Y así fué. Una vez que tuvimos el título, salió sola. Pudimos haber escrito 29 estrofas para esa canción...

La segunda canción fué "Dirty World". Bob es muy chistoso...quiero decir que mucha gente se lo toma en serio y sin embargo si conoces a Dylan, es todo un bufón. Y Jeff se sentó y dijo: "Vale , ¿que vamos a hacer?". Y Bob dijo: ¡Hagamos una a lo Prince! ¡ja, ja, ja!". Y empezó a aporrear la guitarra..."¡Me encanta tu cuerpo sexy! ¡Ooooooh-oooooh-oooooh-ooooh neeena! Y eso se convirtió en la melodía

- Jeff Lynne: En realidad no tenía nada de Prince.

- George Harrison: ¡Nada de Prince! ¡Nada! pero me encanta esa canción, es tan divertida. Decidimos basarla en la frase. " A él le encanta tu..." a él le encanta tu..." y entonces empezamos a hacer listas. Hasta eso fué divertido. No sé como la gente escribe canciones, pero yo me hice con un puñado de revistas y le dí una a cada uno...Roy Orbison tenía Vogue, a Bob Dylan le di unos números de Autosport, Tom Petty, Jeff y yo teniamos otras revistas de distintos temas y empezamos a leer en voz alta : !"cambio de marcha de cinco velocidades"! y cosas por el estilo. Hicimos una larga lista que al final quedó reducida a 12 cosas que parecían interesantes. Y entonces grabamos la canción "Dirty world", con la lista delante del micro, y el que cantaba primero, cantaba lo primero que había en la lista....

Lo que demuestran estas manifestaciones de Harrison y Lynne es que cuando componer canciones se convierte en algo divertido y lúdico, las canciones salen mejores que cuando imaginamos al artista torturado y devanandose los sesos con una guitarra un papel y un boligrafo...(continuará)

Componiendo canciones (3) Paul y Andrés

Paul McCartney hablando sobre sus distintos métodos de hacer canciones: (biografía de Ross Benton, "El hombre y el mito"(Ediciones B)
- Me encanta el album ("Band on the run") Una de las canciones de este disco nació de forma muy curiosa. Había conocido al actor Dustin Hoffman en Jamaica cuando él participaba en el rodaje de "Papillón".
- Dustin me decía que en su opinión era un don increible ser capaz de componer una canción sobre algo y yo le comenté que podía escribir una canción a petición. Hoffman me pasó un recorte de periódico en el que se decia que las últimas palabras de Picasso habian sido. "Bebed por mi, bebed a mi salud, sabeis que ya no puedo beber".
¿Puedes hacer una canción con esto? Dió la casualidad que llevaba la guitarra acústica en ese momento, la saqué, rasgueé un de par de acordes que sabía que no podían fallar y empecé a cantar - "Drink to me, drink to my health... El saltó de la silla y gritó. "¡Annie, Annie! (su mujer) ¡Es increible!, ¡lo está haciendo!, ¡La está componiendo!, ¡Está saliendo!" Y daba saltos arriba y abajo como en las películas. Yo me sentí muy emocionado por sus elogios...Y asi nació "Picasso last words"...


Andrés Calamaro en el libro que hizo con el filósofo argentino Alejandro Rozitchner, "Tirados en el pasto"(Biblioteca Efeeme)
Alejandro: ¿Vos primero hacés la letra?
Andrés: Posiblemente llegan juntas.
Alejandro: Hacés la letra con la guitarra en la mano?
Andrés: Así es bastante bueno para la canción.
Alejandro: la letra va saliendo junto con la melodia.
Andrés: Es que no se puede confiar demasiado e un riff, o en una secuencia de acordes interesante, a suponiendo que tengamos suficiente para hacer una canción. a veces intenciones musicales sobran.
Alejandro. ¿Entonces como se hace una canción?
Andrés: Yo creo que hay que tener una buena pista de aterrizaje. Por ejemplo nunca sentarse a escribir una canción sin lápiz y papel. Con alguna guitarra en la mano mejor. Inventando y hablando con alguien ideas musicales y frases mejor. Teniendo un título, a mi me sirve recopilar títulos...tengo títulos sin música que esperan por la canción...

...Tener un título es importante , puede ayudar, puede ser una buena dirección. Yo siempre lo aconsejo, desde los corredores de la humildad; el título puede aparecer leyendo un libro, o caminando por la calle, hablando con un amigo, de repente hay un buen título, y en ese momento ya podemos saber cuál es el tono de esa canción o la cantidad de humor posible...
(continuará)

Componiendo canciones (2) El título

El bajista, cantante y compositor de The Police, Sting comentaba en una entrevista en los años 80 que tenia primeramente el titulo de "Message in a bottle" y que desde ese momento tuvo la canción: tenía la secuencia de acordes, tenia la linea de bajo, la melodía vocal y sobre todo ¡tenia el titulo!, que era el estribillo y al mismo tiempo una metáfora perfecta de la soledad. Sting contaba que solo tuvo que rellenar por delante y por detras las estrofas alrededor del estribillo-título. Luego Andy Summers metió esas magistrales guitarras, Steward Copeland añadió esa inolvidable batería y ¡zas! directo al numero 1.
Lo mismo le sucedió con "Walking on the moon", Sting tenía el título de la canción, habia compuesto la secuencia de bajo (sencilla pero infalible) y para rellenar las estrofas solo se tuvo que imaginar como se sentiría un joven enamorado volviendo de la casa de la novia en sus primeras citas, esa sensación de volver a casa feliz, enamorado, flotando, caminando sobre la luna, ¡genial! . La historia de la composición de "Walking on the moon" es tan simple que no te la crees. Luego Sting se dió cuenta del exitazo de la canción cuando hospedado en un hotel durante las primeras giras de The Police se la oyó cantar a un limpiacristales...
Para la parte mas musical de The Rolling Stones, el guitarrista Keith Richards la canción es el matrimonio indisoluble de la música con la letra y nunca se puede desligar una cosa de la otra.
- "Primero encuentro una melodía y una secuencia de acordes, y si está bien entonces empiezo a tocar con otros camaradas para ampliarla. Si es buena, entonces analizo la actitud y la atmósfera de la canción. No tiene sentido escribir una canción en una hoja... Una canción es música, y yo prefiero empezar con la música y meterme en la actitud de la canción y ponerle algo arriba. ¿Que le vas a poner arriba? No puedes divorciar las letras de la música...Para mí la manera mas fácil es empezar con la música. La rara y brillante ocasión en que la canción de hecho se presenta a tí en su totalidad, con el gancho y el puente es muy dificil"...
Para cantautores como Pedro Guerra o Joaquin Sabina, el balance de las letras es siempre superior al de las músicas. Joaquin Sabina escribe letras y luego se las pasa a sus colaboradores de confianza: Pancho Varona y Antonio García de Diego para que le pongan música, por eso se ha dado el caso que una letra de Sabina ha llegado a tener varias músicas distintas.
Sin embargo un artista tan apreciado por sus letras como Morrissey ha comentado varias veces que el siempre pone mas énfasis en las melodías vocales que en las letras. En sus primeras entrevistas con The Smiths a Morrissey le preocupaba que las letras no cayeran en los tópicos al uso de la canción popular y afirmaba con rotundidad que a el nunca le oirian cantar baby, baby, baby.
¡Ay! ¡el enigma de las letras en la musica pop!
Parece tarea fácil a primera vista , pero luego no lo es tanto.
¡Y que importante son los títulos en las canciones como comentabamos al principio!. Para empezar se pueden escribir canciones con títulos de nombres de chicas: "Penelópe"y "Lucía" (Serrat), "Peggy Sue" (Buddy Holly), "Mónica" (Los Angeles), "Lola" (Los Brincos y The Kinks), Annabel Lee (Radio Futura), "Michelle", "Julia" y "Eleanor Rigby"(The Beatles) "Oh Yoko" (John Lennon), "Lovely Linda" (Paul McCartney), "Roxanne"(The Police), "Lucy" (Palmera), My Sharonna" (The Knack), "Manuela" y "Grace Kelly"(Los Coquillos, perdonenme la autocita), "Barbara Ann" (The Beach Boys), "Eva Maria" (Fórmula V),"Cecilia" (Simon & Garfunkel), "Jeanne" y "Sheila take a bow"(The Smiths), "Sally Cinnamon" (The Stone Roses), "Oh Carol" (Neil Sedaka), "Carolina" (Formula V y M Clan), "Maria" (Blondie), "Charly" (Santabárbara ¿era una chica o una paloma?), Layla (Eric Clapton) , "Lady D´Arvanville" (Cat Stevens), etc, etc . (Continuará)

Componiendo canciones (1) Intro

Desde los principios de la musica pop , las letras de las canciones siempre han sido motivo de discusión.
Parecía como si la música pop tuviera que tener por norma general letras banales y las letras con sustancia corresponderían al apartado del folk y los cantautores como Bob Dylan o Woody Guthrie.
Pero determinados compositores cambiaron esta percepción en los años 60, gente como Lennon y McCartney en "In my life"o "Eleanor Rigby", etc. Pete Townsen con The Who, Ray Davies con de The Kinks y sus estampas costumbristas de la vida londinense: "Waterloo Sunset""Sunny afternoon ", Richards-Jagger en canciones como "Satisfaction" o "Get off my cloud"y su reflejo de la rebelía juvenil del momento.
Todos ellos cambiaron el panorama de las letras en la música pop. Y demostraron que el pop-rock podía salirse de las letras banales tipo "fall in love with you" o "A girl like you".
Ray Davies comenta que siempre se inspira en la lectura de los periódicos para imaginar los mundos que el luego resume magistralmente en sus canciones.
(Casi) Todo el mundo sabe que John Lennon transcribió literalmente una noticia de sucesos del Daily News para realizar las primeras estrofas de "A day in the life".
Ray Davies afirmaba acertadamente en una entrevista en la revista americana Guitar Player que muchas veces las canciones pop se basan en esloganes o titulares al modo de los periódicos y que los grandes compositores de rock son grandes editorialistas.
Para Ray Davies el secreto de una buena canción lo componen varios elementos: despues de una intro "curiosa"o que al menos llame la atención (ejemplo: el famoso acorde de entrada con Rickenbaker de 12 cuerdas de "A hards days night"), la primera frase lírica de una canción pop tiene que ser siempre impactante de modo que al posible oyente de la radio le llame la atención, y por supuesto la segunda frase le tiene que hacer honor a la primera, luego llegaremos al estribillo con una melodía "catchy" o pegadiza, un pequeño solo de guitarra, tal vez un puente o media octava como le llaman los ingleses, vuelta a estrofa y repetición del coro o estribillo y ¡Eureka! ya podemos tener una canción de éxito. ¿fácil? ...de eso nada monada...(continuará)