Componiendo canciones, capítulo 25 "El cambio a tono menor"

La alternancia uniforme entre la tónica (el acorde principal) y su relativo menor (por ejemplo en el bolero "Perfidia" el relativo menor es la menor, la tónica es Do mayor) fué quizas el primer truco de The Beatles en su recorrido por el mundo melódico mas allá del truco de los tres acordes.

El ciclo I-VIm-I-VIm domina especialmente los primeros años de versiones como "Baby it´s you"de Burt Bacharach (Sol-lam-Sol-lam) y "Anna (go to him)" de Arthur Alexander (Re-Sim-Re-Sim). 
Pronto llegan temas originales como "From me to you"https://www.youtube.com/watch?v=4ooP3XgCIYg, (Do-Lam-Do-Lam),"It´s only love", "Not a second time"(Sol-Mim-Sol-Mim) y "Run for your life" (Re-Sim-Re-Sim).

La oscilación de alegre a triste: de un tono mayor al relativo menor fué un habil antídoto para los cuatro tiempos marcados del rock and roll con sus triadas principales , todas ellas mayores.
A veces los Beatles invertian la serie y nos cuestionaban de forma inteligente nuestro sentido del tono mayor y tono menor. ("She loves you" "Your mother should know" o "The long and winding road")
Pero no solo utilzaban estos trucos en las baladas: lo utilizaron en la enérgica embestida de It won´t belong" y en la entrada de la contagiosa  "Anytime at all" que abre la cara B del Long play "A hards days night":.

Componiendo canciones 24, Pink Floyd

David Gilmour: En mi opinion "Echoes" es la obra maestra del disco, la pieza en la que todos descubrimos de que se trataba Pink Floyd, "One of these days " es una pieza subsidiaria que surgió mientras trabajabamos en "Echoes" . "Echoes" me ha gustado siempre. Es fundamental. Y "Meddle" es el disco en el los cuatro nos afianzamos y decidimos como quería que fuera Pink Floyd. Mucho mas que "Ummagumma" o "Atom Heart Mother".
¿Que papel jugó Chris Thomas en Dark Side The Moon"?
Chris vino para las mezclas y su papel fué evitar las discusiones que Roger y yo teníamos sobre como debía ser mezclado el disco. Yo quería que fuese enorme, pantanoso y húmedo, con reverberaciones y cosas así, Roger lo quería mas seco, posiblemente influido por el primer disco de John Lennon "Plastic Ono Band". Discutimos tanto que tuvimos que recabar una tercera opinión. Thomas debía mezclarlo a su manera, pero naturalmente Roger metió las narices, así que el segundo dia lo hice yo y asi nos turnabamos, siempre sobre el hombro de Chris, interfiriendo tanto como nos era posible. Afortunadamente Chris estaba mas de acuerdo con mi punto de vista que con el de Roger.
¿Fué la primera ocasion en la que saltaron las tensiones a la superficie entre Roger y tu?
Siempre hubo tensión. pero era una tensión controlada al menos hasta The Wall.
En ciertas ocasiones la tensión puede ser creativa. Y lo mismo que hay tensión creativa hay tensión egocéntrica y megalómana.
El enorme exito de "Dark side of the moon" ¿se tradujo en una presión a la hora de elaborar "Wish you where here"?
Si, de eso trata precisamente el disco, por lo menos en lo que respecta a Roger. Para mi "Wish"  es el album mas satisfactorio. Creo que alcanzamos un equilibrio entre letra y música mejor que el "Dark Side". En este se le dió demasiada importancia a las letras y consecuentemente la música se resintió. Uno de los fallos de Roger es que a veces, en su esfuerzo por encajar las letras emplea vehículos musicales bastante imperfectos.
A mi me gusta la estructura, la melodía. Soy un gran admirador de The Beatles y casi todo lo que me gusta , por ejemplo el blues, es musica altamente estructurada. Las estructuras libre no son lo mío. Pero las estructuras demasiado rígidas tampoco.
"The Wall" es el primer album que tiene un argumento mas o menos convincente.
Me gustaba la historia de Roger. No estaba totalmente de acuerdo con ella, pero has de dejar que la gente tenga su propio punto de vista. Mi vision del público tambien era diferente a la de Roger. A él no le gustaba girar, no sentía el menor contacto con el público. Mi vision de "The Wall" hoy es más amarga. Ahora lo veo como un catálogo de personas a las que Roger culpa de sus propios fracasos en la vida, una lista de "me jodiste por aquí, me jodiste por allí".
(Bertrand Laforette, Ruta 66 Dic 1996)
Nick Mason: Las discusiones que propiciaron el desarrollo de "Dark Side of The Moon" tuvieron lugar en una reunión del grupo en la mesa de la cocina de mi casa, en St. Augustine Road, en Camden.
Además de las canciones de Roger teniamos varios fragmentos grabados de anteriores ensayos y algunos temas mas acabados. Pero aún no teniamos un tema unitario que ayudara a Roger a desarrollar el trabajo inicial. Mientras hablabamos surgió el tema del stress como hilo conductor. Hicimos una lista de las dificultades de la vida moderna que podíamos reconocer en especial.: las fechas límite de entrega de los discos, los viajes, el stress de volar, el aliciente del dinero, el miedo a morir y los problemas de inestabilidad mental que pueden desembocar en locura. Armado con esta lista, Roger se fué para continuar trabajando las letras...
Utilizando las letras específicas de Roger, la música se desarrolló durante los ensayos y despues en el estudio de grabación, lo cual dejó oportunidad a Roger de corregir cosas.
Despues de la desbandada de Syd, la responsabilidad de escribir letras recayó en Roger. David y Rick escribian letras de vez en cuando. En Dark Side , Roger asumió la tarea con un estilo estimable: sus palabras proporcionaron al album nuestras letras mas abiertas y específicas hasta entonces. (aunque el mismo las menospreciase en alguna ocasión, denominandolas "material adolescente"...). Por primera vez consideramos imprimirlas en su totalidad en la carpeta del album.
("Dentro de Pink Floyd", Nick Mason, Editorial Ma Non Topo)

Entrevista a Miguel Cedrés Guia De Ocio de Lanzarote

Guia de Ocio de Lanzarote
Miguel Cedrés. “Las buenas canciones tienen algo intangible que las hace perdurar en el tiempo”

La grabación de Tarde o temprano ha tenido mucho de espontaneidad. De meterse en el estudio y dejarse fluir. ¿Cuánto tiene de improvisación el disco? ¿Y cómo fue la experiencia de grabación en el estudio?

- Lo que mas llama la atención del método de grabación es que no hice maquetas, es decir no le di muchas vueltas a las canciones, (eso fue fundamental porque si no terminas quemando las canciones). Las tenía compuestas con la guitarra acústica en casa, después hice 4 ensayos con los músicos (sección rítmica), definimos los arreglos y fuimos directamente al estudio: en una tarde grabamos 9 baterías y 9 bajos. Si cuentas con buenos músicos ese momento del proceso es bastante sencillo (si oyes el disco oirás buenas líneas de bajo y buenas baterías). Luego con las guitarras estuvimos más tiempo probando sonidos, micros, pedales, texturas, etc. “Tarde o temprano” es un disco de guitarras y yo soy guitarrista…
La experiencia fue muy excitante, de tener canciones que eran casi un boceto e ir añadiéndole guitarras, teclados, voces. Y dia a dia vas viendo cómo van creciendo…descubrí que me encanta estar grabando.

- Comentas que la melodía es fundamental en tus temas, casi más que las letras. ¿Cómo llegan las notas a tu cabeza y cómo es el proceso de engarce? ¿Necesitas mucha disciplina, una atmósfera concreta….? El proceso compositivo siempre tiene peculiaridades en cada creador…

- Disciplina no mucha, suelo estar tocando la guitarra en casa, de repente doy con una secuencia de acordes guapa o con un buen riff. A partir de ahí hago una melodía vocal y la grabo en una cinta de cassete…si al cabo del tiempo la melodía vocal me sigue convenciendo le pongo letra, para mí, la parte del proceso más difícil porque no tengo mucha experiencia como letrista. También porque no quieres decir cosas trilladas y que lo que se grabe tenga un significado para la gente. En el cine americano siempre se piensa en el público y la segunda parte del proceso de componer es , vale, me gusta a mí , pero ¿le gustará al público?. La melodía vocal es fundamental en la canción, es lo primero que pilla el oyente y si es buena seguro que tendrá ganas de repetir y pasará la prueba del tiempo. Pero después hay algo más, algo intangible que hace que la canción perdure.

- Los buenos arreglistas –y tu eres uno de ellos- suelen ser músicos de ideas claras. Al menos, de oídos muy bien entrenados para discriminar entre sonidos que les convencen y otros que no tanto. ¿Te sientes igual de cómodo poniendo voz a tus temas?

- Gracias, pero no sé si soy tan buen arreglista. Simplemente sé lo que me gusta y lo que no. Creo que el criterio es lo más importante a la hora de componer, tocar la guitarra, elegir a los músicos, las canciones. Hay tantos estilos para vestir una canción que tienes que tener claro lo que quieres: Oír mucha música, discriminar sonidos, timbres…lo de mi voz ha sido una lucha en este último año, nunca pensé en ser un frontman pero puedo defender con dignidad mis canciones…

- ¿Cómo ves la escena musical en Lanzarote?

- Siempre ha sido una escena muy avanzada, moderna… Cuando en Las Palmas apenas había grupos de pop en los 80, Lanzarote era una avanzadilla, una escena en miniatura de la “movida madrileña”, aquí estando de vacaciones he visto a muchos grupos buenos, brillantes, imaginativos…Papita Rala, Cesaguely, Los Cerrajeros, Grupo Insular, Marca Acme, Rubicón, La Isla, Zürych, etc

- Dicen que el handicap de los músicos canarios es la lejanía. ¿Crees que las instituciones deben tener un papel predominante en el apoyo de los creadores canarios, o que la cultura debe intentar salir a flote por canales independientes?

- Debería serlo porque los canarios lo tenemos el doble de difícil que un grupo de Cádiz. A mí para este disco no me dieron ninguna ayuda y eso que la solicité…, me lo he costeado todo yo y eso que en el concurso de Canarias Cultura en Red lo más que se valoraba era la trayectoria…(debo no tenerla o quienes recibieron las subvenciones como pasa siempre, estan mas cerca del poder politico que las concede...)pero si, los canarios lo tenemos más complicado para todo… también hay que mojarse y hacer proyectos que tengan credibilidad. El público al final es el soberano y es el que decide si un proyecto musical les gusta o no.

- ¿Cuándo podremos verte en directo en Lanzarote? ¿Alguna fecha para el mes de septiembre?

- No lo sé, la crisis económica de los ayuntamientos hace que vivamos un momento complicado, pero no pierdo la esperanza de que un día contraten a Miguel Cedrés en vez de a Melendi. De momento no hay nada a la vista en forma de conciertos, pero estoy pensando en producir algo para teatros sin depender de instituciones.

- Rock con influencias británicas en tu disco… ¿Qué tienen los Beatles, los Credence Clearwater Revival para que hayan calado tanto en tu forma de amar la música? ¿Nos recomiendas algún sonido ‘british’ que hayas descubierto hace poco?

- Los Beatles demostraron al mundo que todo era posible, que podías derribar barreras culturales y de costumbres solo con la música. Tenían un optimismo que lo reflejaron en su imagen y en su música. Proporcionaban fé respecto a la idea que los jóvenes podían cambiar el mundo. Se puede aprender mucho todavía de su música. En sus discos está todo el rock y todo el pop. Y en los discos de Credence pasa lo mismo respecto a las raíces norteamericanas: country, blues, soul, etc- Recomiendo a Miles Kane como artista británico nuevo.

- Tu disco se puede comprar en la web de la distribuidora: areasonora.com. ¿Lo podremos escuchar también en Spotify o en iTunes?

- Espero que dentro de poco, estoy negociándolo.

- ¿Qué música te ha emocionado más en este último año?

- El disco de Fleet Foxes, el de Beady Eye, el single de Noel Gallagher, el single de Miles Kane, alguna canción suelta de The Suburbs de Arcade Fire y las nuevas canciones de Monday Faces.

- En sus últimas actuaciones en Lanzarote, contaste una anécdota muy divertida: en un directo en una discoteca de Arrecife, el público, eminentemente ‘piberío’, les acompañó cantando con fervor todas las canciones. Al final; sesión de autógrafos. Usted pregunto a un joven no sin cierta incredulidad si sabía quiénes eran Los Coquillos y el muchacho respondió que sí, que su padre le había obligado a ir al concierto so pena de no dejarlo salir nunca más.  ¿Cómo ves a esta nueva generación de jóvenes canarios, tienen una nueva cultura musical? ¿Oyen más música? ¿Internet les ha abierto horizontes? ¿Manda el hip hop? ¿Qué percibe?

- No lo sé, lo cierto es que la radio y la tv actuales no educan bien musicalmente: y siempre manda desgraciadamente lo comercial. Internet es una herramienta preciosa y poderosa para conocer música, pero cuando veo los coches que pasan a mi lado con la música reggaeton a todo volumen decae mi fe en el género humano…no lo sé, es cuestión de gustos… y educación (musical)

- “Si, sí, sí” o “Borracho hasta el amanecer” son auténticos himnos (además de haber sido un bombazo en Sudamérica). Con la perspectiva que dan los años: ¿Qué ingredientes crees que las hacen canciones vigentes y clásicas, 20 años después?

- Buenas letras donde la gente se refleje o se identifique, buenas intros, buenas melodías, buenos coros para cantar a pleno pulmón…

- No nos queremos despedir sin que nos recomiendes algunos títulos: Un disco / Un autor / Un paisaje de Lanzarote / Un plato / Una película

- Un disco: que sean dos: “The Queen is dead” (The Smiths) y “Abbey Road” (The Beatles)

- Un autor: Oscar Wilde
- Un paisaje: la playa de Famara

- Un plato: una buena sama roquera con papas arrugadas

- Una película. American Grafitti

Componiendo canciones (23) Gustavo Cerati

A Gustavo Cerati me lo dió a conocer mi amigo y magnifico guitarrista canario Alex Labao, cuando estabamos preparando el directo-unplugged del Auditorio Alfredo Krauss.
Me dijo: Miguel te voy a enseñar a un grupo que a mi me recuerdan mucho en algunas cosas a Los Coquillos. Naturalmente yo habia oido "Ella usó mi cabeza como un revolver" cuando en las tv locales canarias ponian Galavision y me parecia ese tema muy "I am the walrus" y tambien recordaba años atrás los anuncios en prensa musical española de "Cancion Animal" (megavendedor en Sudamerica y desconocido en España)
Luego con el advenimiento de internet empecé a pedir discos antiguos de Soda Stereo y de Cerati a determinadas webs de Argentina, Alemania, Amazon y a bajarme algun tema por el Napster.
A mi amigo y filósofo Tomas Acosta, compositor de una de las canciones que irá en mi próximo disco lo he convertido en devoto de Gustavo Cerati, se enganchó con el "Ahi Vamos" y eso que Tomas es muy exigente con las letras.
El ultimo disco de Cerati "Fuerza Natural" me parece una obra maestra , lastima que no se conozca mas en España, Cerati esta desde el pasado verano en coma despues del ultimo concierto en Venezuela. No soy muy religioso pero rezo por ti ¡maestro!
Lo que sigue a continuación son fragmentos de entrevistas donde Gustavo Cerati habla del proceso creativo a la hora de hacer canciones.

"El momento de `Doble vida’ fue el más zarpado de todos. Yo me había casado, tenía una esposa que duró menos de un año y varias canciones de este disco las compuse pensando que tenía que salir rajando de un lugar que no me gustaba."

"No es un disco post-moderno. No hay cinismo. Hay una frase que para mí es clave: "harto del sarcasmo, sube el precio del silencio". Hay una intención más...verdadera. En "Bocanada" yo estaba más interesado en la mentira, por decirlo así. En ocupar diferentes personajes para escribir frases de las que por ahí no me hago cargo. Y tampoco es un disco cool."

"Con el tiempo he notado que conozco mis biorritmos, he aprendido a esperar, porque no vale la pena forzar algo que no se da naturalmente. Después de Soda (la gira Me Veras Volver 2007) estuve casi un año sin hacer nada, ni una sola canción, esperando que mi antena se renovara. Afortunadamente ya no tengo que correr detrás de nada. Si no viene, pues me dedicaré a hacer cuadros, ¿que se yo? Escribir no es algo tan vital como antes".

"Hay una búsqueda musical porque a mí me inspira escribir letras a partir de la música. Naturalmente, uno tiene la antena para cosas que ocurren alrededor, situaciones que tienen que ver con tus vivencias, pero la verdad es que en la música está lo que quiero decir. Y si a veces despotrico un poco con el tema de la lírica, lo hago de la misma manera con el lenguaje, en definitiva son especies de prisiones, son como situaciones mucho más terrenales. La música es como volar. Ya de chico no podía escribir muchas historias, era más descriptivo en cuanto a lo emocional y estaba mucho más interesado por los surrealistas y aquello que me llevaba para otros lados, por eso era tan fanático de Spinetta en su momento. En realidad soy una persona muy titulera, tengo títulos. Y ya los títulos casi dicen todo, ojalá pudieran ser nada más que eso solo, pero generalmente necesito escribir sobre eso, entonces le doy vueltas a esa cosa".

"Disfruto mucho de la competencia creativa, tengo admiración por otros músicos, no me siento realmente en un estado de Parnaso. El tiempo no parece pasar en eso, y me encuentro reseteándome todo el tiempo. Tengo un pésimo ejercicio de memoria, no me interesa lo que ocurrió. Nos vamos poniendo un poquito más grandes y empezás a recapitular un poco, pero la verdad es que mi tendencia natural es a no ir acumulando de esa manera, me cuesta ver para atrás. Entonces veo en el hoy músicos o gente que me producen mucha admiración, y quiero aprender de ellos y quiero competir con ellos, pero desde un lugar que me haga bien, siento que me hace mejor cuando aprecio la forma en que componen otros: me ha pasado con Daniel Melero, y también obviamente con Richard Coleman, Leandro Fresco, gente con la que he trabajado..."

“Veo a la gente de mi generación que ha bajado ya los brazos en cuanto a la creatividad, es terrible. Yo sigo jugando como antes con la música y la verdad es que no miro para atrás, aunque puedo ver de reojo”.

"Lo más interesante para mi de “ Bocanada “ es haber creado una variedad tan grande de formas de encarar la canción: asi como hubo momentos muy íntimos de guitarra y voz, también hubo momentos que son pedazos de canciones “ sampleadelia” pero no con intención de hacer un remix, sino de hacer otra canción .
Poner al servicio de toda posibilidad tecnológica la posibilidad de jugar con cosas muy diferentes y convertirlas en una canción".

"Soy un abusador de metáforas, pero este disco me indicó que era el momento de que las cosas fueran más directas, de no poner tantos filtros, de lo que sentía ponerlo y de lo que no sentía inventarlo. Las letras no dan tantas vueltas, van más a la cosa, tiene que ver con el sonido, mi mayor inspiración fue la música. No fue un libro o una película, aunque eso pueda ser una referencia, la misma música contiene el gen de la letra que voy a escribir".

"El disco ("Ahi Vamos")lo hice en mi estudio, en Unísono, compuse todo en seis o siete meses, lo tocamos todo en vivo, la mayoría de los temas los hice como dirigiendo la banda, como hacía con Soda. Voy como dirigiendo armónicamente y melódicamente, zapando inventando y así fuimos creando los demos."

Componiendo canciones (22) Lennon y McCartney

John Lennon y Paul McCartney son los grandes maestros de la composición en el mundo del rock. Dos muchachos de Liverpool que a base de aprender el oficio de compositores, fijandose en sus maestros (Chuck Berry, Little Richards, Buddy Holly, Carl Perkins, Smokey Robinson, Lamond Dozier, Brian Holland, Roy Orbison, etc), retandose y ayudandose mutuamente hicieron de su musica la mas influyente de las ultimas cuatro décadas de rock and roll (no hay que olvidar tampoco a George Harrison como compositor), generaron una verdadera revolución cultural y le dieron un sentido artístico a la musica pop.
El otro dia hablaba con un amigo del antagonismo entre lo comercial y la calidad (que supuestamente no vende) y comentabamos el que muchos roqueros españoles y sudamericanos se pasaran a los ritmos latinos para ganar en comercialidad. Yo le dije: ¿hay alguien en el mundo de la musica mas comercial que los Beatles? y sin embargo siempre hicieron lo que les dió la gana.
Aparentemente el Album Blanco fué un suicidio comercial en su momento; lleno de experimentos y demasiado ecléctico (hasta George Martin les recomendó que lo redujeran a un solo LP sencillo) pero hoy en dia es considerado el preferido de muchos musicos cuando eligen su album preferido de los Beatles.
El mismo George Martin explica en la biografia de John Lennon y escrita por Philip Norman como componian Paul Y John:
"Paul sacaba una melodía del piano o la guitarra y luego pensaba "¿Qué letra puedo ponerle?" John desarrollaba más bien las melodías sobre la marcha. Por lo general construía una canción sobre una estructura de acordes que iba rasgueando y encontrando en la guitarra hasta tener una secuencia interesante. Después de eso, la letra era más importante que todo lo demás. Solían salirle muchas veces haciendo un monotono, una sola nota que iba interrumpiendo al ritmo de las palabras. Nunca arrancaba componiendo una melodía y poniéndole una letra. Pensaba siempre la estructura primero, el contenido armónico de la letra, y luego la melodía salía de ahí"...

Componiendo canciones (21) Abba y el poder del pop

¿Existe un grupo que combine despues de Los Beatles la calidad con la comercialidad? ¿que tenga tantos numeros unos en todo el mundo? ¿que triunfen igual en Alemania, Japon, Australia, USA o el difícil mercado inglés?
Si existió y ese grupo se llama Abba. Y dominó la decada de los 70 y los 80...y aun despues de su separación ganan batallas como el Cid Campeador...
Dos excelentes voces femeninas (la rubia Agneta, la morena Ann-Frid), pero sobre todo dos excelentes compositores que sabian perfectamente lo que era un gancho melódico, el poder de un gran riff, la cantabilidad de un buen estribillo o el impacto de un buen título.
Sorprende al oir las canciones hoy en dia lo sólido de las melodías, lo buenos que son los gimmicks o ganchos melódicos. La base de piano de "Ring Ring" que luego utilizarian Supergrass en su primer single "Alright". Las contramelodias de piano en "Waterloo" y la melodia vocal tan alegre sobre la base de rockanroll, la nostalgica tonada de "Fernando" con el bajo contestando a las voces y la intro con aires incaicos; los ritmos y pianos de "Dancing Queen" siempre utilizando una melodia triste a pesar de que utilizan ritmo disco; la fabulosa intro de piano y guitarra electrica de "Mamma Mia" y el estribillo donde solo están voces y piano; la melodia inicial cuasi clásica de "S.O.S" mezclada con la urgencia del puente de la canción. Definitivamente las canciones de Abba son un tratado completo del mejor pop.

¿Y como componian estos genios?.
No tenian un método muy complicado: por lo visto Benny Anderson el barbudo pianista tocaba melodias en su teclado y Borjn Ulvvaeus, el barbilampiño guitarrista tocaba acordes.

"Nuestro método de componer, ya que ninguno de los dos sabia música -dice Benny- era que yo le lanzaba melodias y él a mi acordes. Sobre esto componiamos la base melódica y siempre nos ha funcionado bastante bien. La letra era lo mas dificil. Asi que primero interpretamos el tema haciendo onomatopeyas y palabras lógicas sin sentido. Menos mal que las paredes del apartamento eran gruesas, si no, tal vez nos habrían mandado al manicomio..."
A pesar de ser tan prolíficos Benny opina que solo con el trabajo nacen las canciones: "nunca me ha llegado la inspiración en la calle, siempre ha sido después de horas y horas sentado ante el teclado..."
"Sobre las melodias hechas por Bjorn y por mi, surgía una letra apropiada o Stig (colaborador y manager) nos presentaba una letra suya. si algún aspecto del tema no gustaba, era rechazado de plano." "Hay muchas buenas canciones que no pasaron los controles"
Lo que mas me llama la atención de muchos de los títulos de las canciones de Abba era que se pudieran entender en cualquier idioma: Ring ring, Mamma mia, S.O.S., Fernando, Waterloo,etc. lo que deja claro su vocación internacional desde el principio de su carrera.
Benny decia en una entrevista :"Cerca de un tercio de las canciones que Bjorn y yo hemos escrito, han sido éxito...pero esas canciones tuvieron la suerte de no haber sido visadas pero un jurado de expertos, sino por millones de compradores en todo el mundo".
Larga vida a Abba.

Componiendo canciones (20) A vuelta con las letras de las canciones

Este pasado domingo El Pais Semanal hacia un excelente reportaje sobre el enorme poeta Miguel Hernández, y entre todos los articulos destacaba uno de Serrat sobre las relaciones entre poesia y musica, poesía y canción, y sus experiencias trabajando con poetas vivos y muertos. Muy interesante las reflexiones del maestro de compositores Joan Manuel Serrat sobre el hermanamiento de palabra y música:
"No toda la poesía vale para ser cantada. Cierto que a todo se le puede poner música y que todo puede ser cantado, desde la guía telefónica hasta el manual de instrucciones de un lavavajillas, pero es dudoso que textos de este calado alcancen a conmover a un auditorio como se espera de una buena canción.
Por lo general y salvo excepciones, una buena letra de canción tiene una estructura, un ritmo, una rima, un murmullo que la mece y la transporta mansamente hasta el oído, donde un argumentario manejado con sensibilidad se encargará de acercarla al corazón.
Luego está la música, pero eso ya es otro cantar.
No toda la poesía vale para ser cantada, ni todos los poetas sirven para escribir canciones.
A lo largo de más de cuarenta años de dedicarme a este oficio y de haberlo intentando de maneras varias, incluyendo tentativas de colaboración con plumas contrastadas y brillantes, en alguna ocasión me sorprendió la simpleza de los textos con la que algún reconocido hombre de letras respondió a mis requerimientos de escribir canciones en complicidad. Quizá el vate, convencido de antemano de que la canción popular no pasa de ser un arte menor mas cercano al alfarero que al escultor, cayó en el pecado que denunciaba Antonio Machado: despreciar cuanto se ignora, aunque también cabe la posibilidad de que el buen hombre no supiera hacerlo mejor. Bien sea por lo uno o por lo otro, mi experiencia me reafirma en que de la misma manera que detrás de un buen autor de canciones no hay necesariamente un buen poeta, tampoco al revés o viceversa.
Afortunadamente, también existen García Lorca y Rafael de León y Manolo Vázquez Montalbán y Mario Benedetti, por citar algunos magníficos letristas de canciones por derecho y, al tiempo, buenos poetas como muestra de que entre poesía y canción no media una frontera clara.
A este grupo de poetas manifiestamente musicales corresponde Miguel Hernández. Versos de rima clara y cadencioso ritmo que vienen de fábrica con la música puesta. Poesía escrita para ser cantada..."
Chapeau Joan Manuel, no se puede decir ni mas alto, ni más claro.

Componiendo canciones (19) The Smiths y su primer disco

En una Inglaterra tatcheriana dominada por el tecno-pop y los Nuevos Románticos surgen The Smiths, un grupo de Manchester dispuestos a reivindicar el pop de guitarras mezclado con la mas emocionante poesia urbana.

El grupo giraba en torno al dúo: Steven Morrissey (un antiguo fan de los New york Dolls y poeta aficionado que será el letrista y el cantante ) y Johnny Marr, el compositor de la musica y que pronto se revelará pesar de su juventud (21 años) como un guitarrista seguidor de la tradición pero al mismo tiempo revolucionario en el concepto y tratamiento de los arreglos de guitarra.

Johnny Marr había aprendido sus primeros acordes a los 12 años. Era un fiel seguidor de T.Rex, Neil Young, Bo Didley, George Harrison y de la nueva ola neoyorkina (Patti Smith, Television, Talkin Heads). A todo esto sumaba una devocion por el guitarrista de Chic, Nile Rogers y por determinados guitarristas del folk britanico.

Despues de formar parte de un par de combos punks y recibir algunos lecciones de Billy Duffy, futuro guitarrista de The Cult, decide ir al encuentro de un extraño personaje del que le habian hablado y que vivía encerrado en su casa escribiendo poemas y viendo peliculas antiguas. Desde este primer encuentro Marr y Morrissey acuerdan quedar para componer canciones para otros artistas al modo de unos Leiber-Stoller modernos, pero Johnny viendo los progresos de Morrissey como cantante le anima a formar juntos una banda. Para ello eligieron el nombre mas vulgar, realista y sencillo que se les ocurrió: The Smiths que era como decir Los Pérez o Los García en España.

El siguiente paso eran conseguir una sección rítmica competente. Para el puesto de bajista Johnny pensó en un antiguo amigo de Manchester, Andy Rourke que ya habia militado en alguna de las bandas de adolescencia de Johnny. Andy Rourke se revelará como un bajista muy elegante, capaz de pulsar un energico tema funkero ("The Headmaster Ritual") o también de adornar la canción con contramelodias al mas puro estilo maccartniano como es el caso de "Heaven Knows Im Miserable Now".


Para el puesto de bateria pensaron en el miembro de un oscuro grupo punk de Manchester: Mike Joyce, capaz tambien de tocar la percusión desde lo mas enérgico hasta la balada mas comedida.

A finales de 1983 lanzan lo que será su primer single "Hand in glove", un tema basado en los arpergios de acorde mayores do y re, remarcada habilmente por una serie de breaks sincopados de bateria-bajo-guitarra, adornada además con una intro de armónica (cortesia de Johnny Marr). La melodia vocal es de una tristeza infinta y habla de un amor único e imposible: " No, este amor no es un amor cualquiera... este es distinto"

En la cara B de este single una cancion con un gran riff guitarrero con una pizca de distorsión:" Handsome Devil". Una canción que será polémica por su letra.

A partir de aqui The Smiths seguiran una politica que ya habian ensayado The Beatles en los años 60. Los singles y los Lps tendran vida independiente y rara vez los singles seran publicados en los discos grandes.

Otra novedad seran las portadas de todos los singles y Long Plays diseñadas por Morrissey y con fotografias en blanco y negro de alguna rara pelicula antigua y convenientemente viradas hacia algun color. En el caso de este primer disco hacia un rosa fuerte, que junto al torso desnudo del actor Joe D'Alessandro en seguida llaman la atención.

El segundo single de The Smiths si que causará¡ un gran impacto, no solo en Inglaterra sino en toda Europa: "This Charming Man" con su impresionante intro de guitarra ritmica sincopada y reminiscente del afrobeat. A todo esto le sigue unas lineas de bajo funky que llevan el peso de la canción mientra Johnny Marr va llenando la cancion de arpegios y mas arpegios ultramelódicos y cristalinos con su Rickenbaker 330 Jetglo. Morrissey mientras tanto canta una arrebatadora melodía de corte meláncolico.
Recuerdo cuando lo escuché por primera vez en Radio 3. Solo me dieron ganas de salir corriendo a la tienda de discos mas cercana y hacerme con el disco. No sé si han experimentado esa sensación... "This Charming Man" no salió en el LP original pero si lo hara¡ posteriormente en las ultimas reediciones del cd.

El disco The Smiths naturalmente fué uno de los discos mas importantes del año 84, pero su valor real radica en la influencia que ejerció en generaciones de guitarristas posteriores. Noel Gallagher cuenta el impacto que le supuso cuando vió en la tv a un jovencisimo Johnny Marr con su corte de pelo a lo Brian Jones y su Gibson 335 Cherry Red con vibrato bigsby. Ese dia Noel decidió que queria ser guitarrista de rock.
Importantes guitarristas actuales como Bernard Butler o Colin Greenwood de Radiohead lo citan entre sus principales influencias.
Este aspecto visual tambien es de destacar en las apariciones publicas de The Smiths. Johnny Marr siempre aparecerá en los conciertos o videos con guitarras "clásicas": Telecasters con bigsby, diversas Grescht, Les Pauls, Rickenbackers, Stratos. Johnny reivindica el valor de las guitarras antiguas no solo como productoras de sonido sino como iconos visuales del rock.

Otra curiosidad en el estilo guitarristico de Johnny Marr es la ausencia de solos. Su originalidad radica en las texturas que crea con las guitarras rítmicas, las afinaciones alternativas y el uso de sencillos motivos melodicos mediante el arpegio. Para Johnny la guitarra siempre esta al servicio de la canción. Con mucha razón la revista americana Guitar Player le calificará años mas tarde de guitarrista anti-héroe. (en el ultimo disco de estudio de The Smiths, Johnny se permitió un solo muy sencillo en el tema "Paint A Vulgar Picture"). Johnny Marr demuestra además ser un gran armonicista, un mas que competente pianista y un magnífico arreglista de cuerdas en los posteriores discos de The Smiths.

El disco comienza con "Real around the fountain": Ritmo de balada y preciosa melodia vocal, adornada por los arpegios limpios de las guitarras y un cautivador piano a cargo de un entonces desconocido Paul Carrack. Johnny comentaba en sus primeras entrevistas que aprendió a orquestar las canciones tratando de emular con la guitarra los metales en los viejos discos de los Four Tops y The Temptations.
"Real around the fountain" parece a primera vista una canción convencional de cuatro acordes: LaM-MiM-ReM-Fa#m, pero la canción tiene truco: Johnny habilmente le coloca una cejilla en el 2º traste a la guitarra, transformandose la tónica ahora en SolM, con lo cual la posibilidad de adornar los arpegios se amplifica y esto lo saben de memoria los musicos de country.

"You everything now" es un corte de tintes funkys con una melodia rabiosa de Morrissey. Lo mejor de este tema sucede en el estribillo: De los rasgeos de guitarra se pasa a una serie de intrincados arpegios que le dan a la cancion la originalidad que le faltaba a las estrofas. De nuevo los acordes son transportados a fa#.

"Miserable lie" comienza con unos acordes bastante sencillos para cambiar a mitad de la cancion el espiritu de la misma, merced a unos ritmos psicobillies, habilmentes remarcados por el contundente ritmo del bajo-Batería.

"Still ill" es una de las canciones mas curiosas y originales del disco y que coloca a Marr como un guitarrista con voz propia: la cancion gira a traves de unos arpegios sincopados de rara belleza, creando con la guitarra una melodia propia, independiente de la melodia vocal. La pasional letra de Morrissey hace el resto "no, no podemos aferrarnos a los sueños, a los viejos sueños...¿Rige el cuerpo a la mente o la mente al cuerpo?...no lo sé"...

"I dont owe you everything" es quizás la canción mas sesentera del disco con unas guitarras que son puro jingle jangle. No en vano Sandie Shaw la versioneará¡ unos meses después con The Smiths al completo en la instrumentación.

"What diference does it makes" es el tema mas rockero del disco con su riff distintivo que aparece a lo largo de toda la canción. Sin embargo lo mejor de ella es el entretejido de guitarras que consigue Marr y que sobre todo se aprecia en el ultimo minuto de la canción. Las texturas guitarreras a base de varias pistas, que Johnny consigue en esta canción son impagables.

Johnny Marr explicaba años mas tarde lo mucho que le debe al productor de este disco John Porter, antiguo bajista de Roxy Music. Según Marr, John Porter le dedicó todo el tiempo posible a la grabación de las diferentes pistas de guitarras; probaturas con diferentes microfonos, amplificadores (preferentemente el Fender Twin reverb y el Roland Jazz Chorus 120) y la distancia y altura entre estos.

John Porter no entendía como otros productores le dedicaban 3 y 4 dias a grabar y sonorizar una bateria y a las guitarras se las dejaba para los ultimos dias y a toda prisa. Porter le comentaba a Johnny que si este era un disco de guitarras lo normal era dedicar el mayor tiempo a ellas.

En definitiva The Smiths es un disco que marcará una época y cuyos ecos llegan hasta la música que se hace en estos momentos. El primer disco de The Smiths es un disco aparentemente muy convencional pero que encierra muchas enseñanzas que no se captan a la primera y eso es mucho decir cuando te compras un disco.

Componiendo canciones (18) Keith Richards habla de sus métodos compositivos

"No escribo ninguna autobiografía . Escribo canciones, no un diario. No desnudo mi alma, solo intento destilar sentimientos y experiencias por los que he pasado a lo largo de mi vida y que sin duda son también los de mucha gente, e intento evocarlos. Las únicas canciones que me interesan podrían significar algo para cualquier persona.
Ahora puedo extraer muchas cosas de mi vida. Puedo pulsar una emoción, se combinarla mejor. La vulnerabilidad es interesante. Siempre me gusta sugerirla, porque todo el mundo la tiene. Si tu puedes abrirte, también puedes hacer que los demás lo hagan...
En realidad no escribes cada canción como una pieza cerrada en si misma. Creo que la provocación y el misterio son mas poderosos e importantes. Es un poco como la vida , no estas seguro de lo que está pasando pero sigues adelante.Se trata de aceptar las cosas. Mis canciones hablan de donde tocar la fibra y de cuando hacerlo y no saber, del desconcierto..

Hay músicos que ponen caras raras cuando fallas una nota. Yo me alegro cuando sucede y pienso "Espera, esta podría ser el nacimiento de una nueva canción". Analiza tus errores, aprende de tu errores. Las canciones son bebes a los que alimentas lo mejor que sabes y los vas viendo crecer...

Escribir canciones es una práctica peculiar...estoy convencido de cuando eres artista captas cosa para las cuales has adquirido cierta sensibilidad.. Desarrollas otro sentido. Te crecen antenas. Eso es todo. Me siento como una antena. Las canciones ya están zumbando por la habitación y yo recibo y transmito. Me siento y toco mis canciones favoritas de Buddy Holly y Otis Redding, con la guitarra o con el piano, y con un poco de suerte de pronto sucede y surge algo. Tu eres la trasmisión pero vas buscando tu propia senda. De hecho las mejores canciones suelen surgir de accidentes...

Para mi sin duda la mayor aportación de Andrew Loog Oldham a los Rolling Stones fué encerrarnos a Mick y a mi en la cocina durante un dia y una noche y decirnos: "No los voy a dejar salir hasta que tengais una canción..."Nos lo dejó bien claro: ¡No podeís depender de otros compositores, de otras personas, para todo el material que necesiteis! A partir de ahora cada vez sereis mas dependientes. asi que empecemos ya. Cualquiera puede escribir una canción de pop".
Aquello nos impactó. Ni siquiera nos lo habiamos planteado. Andrew nos obligó literalmente a escribir canciones. Mi primera reacción fué "¿quien te has creido que soy, John Lennon?". En aquella época escribir canciones era trabajo de otro. Mi trabajo era tocar la guitarra y eso era todo lo que quería hacer. Tenía tanto de compositor como de físico nuclear. Era un campo de operaciones diferentes. Pero Andrew me demostró que si sabes tocar un instrumento, puedes escribir una canción...

Del libro de Victor Bockris "Keith Richards, Biografía desautorizada" Editorial Global Rythm

Componiendo canciones (17) Decálogo para compositores de rock ( folk o pop)

La semana pasada se me ocurrió hacer un decálogo o lista de consejos para compositores de pop a la manera de los decálogos que han hecho varios escritores (Monterroso, Quiroga, Vizinczey, Ray Bradbury, Onetti) para ayudar a escritores jovenes como guía y ayuda a la hora de empezar a escribir.
Lo que pretendo hacer es trasladar esa serie de consejos para escritores al territorio de la música (a ver si yo me los aplico tambien...)
El ámbito de la composición y la creatividad es un terreno siempre frágil y huidizo, y el que hayas compuesto una canción medianamente buena no te garantiza que vayas a componer otra igual de buena: vuelves a partir de cero.
Así que una guía para empezar a desbloquearte cuando estas en un momento en que no se te ocurre nada siempre viene bien.

1.- Cree en el maestro (Lennon, McCartney, Dylan, Reed, Silvio, Bolan, Brian Wilson, Morrissey, Johnny Marr, Tom Waits, Ray Davies, Neil Young, etc) como en Dios mismo.

2.- Resiste cuanto puedas la imitación pero imita si el influjo es demasiado fuerte.

3.- No busques ser original, el ser distinto es inevitable cuando uno no se preocupa de serlo.

4.- No sigas ninguna moda, abjura del maestro sagrado antes del tercer canto del gallo.

5.- No te limites a oir los discos ya consagrados (Abbey Road, Blonde on Blonde, The Queen is Dead, Pet Sounds, Dark side of the Moon, ) , Nick Drake no tuvo ningún exito cuando salieron sus discos, hoy dia está considerado un genio.

6.- Escucha las caras B (Eso hacían Los Beatles en Hamburgo y Liverpool para diferenciarse de los otros grupos)

7.- Al componer uno recuerda que está vivo y que eso es un privilegio.

8.- No hagas canciones pensando en la crítica, en los amigos o en los parientes, en la dulce novia o en la esposa. Ni siquiera en el oyente hipotético.

9.- Componer es una forma de supervivencia.

10.- Si no tocara la guitarra (o el piano) todos los dias uno acumularía veneno y empezaría a morir o a desquiciarse, o las dos cosas.

(Bueno amigos, hasta aqui el decálogo, ahora seguimos para premio de bingo...)

11.- Uno tiene que mantenerse borracho de música para que la realidad no lo destruya.

12.- El primer deber de un compositor es la efusión: ser una criatura de fiebres.

13.- En la rapidez está la verdad. Cuanto mas deprisa escriba una canción mas sincero seré.

14.- No desdeñes ningún tema a la hora de hacer una canción. Roba si es necesario.

15.- No persigas el éxito. El éxito acaba con muchos buenos compositores.

16.- Hay ideas en cualquier lugar.

17.- Me fascinan los viejos.

18.- En los libros de poesía hay ideas por todas partes.

19.- Todo lo que se hace hay que hacerlo con entusiasmo.

20.- Soy esa rareza de feria, el hombre con un niño dentro que lo recuerda todo.

21.- Para alimentar a la musa es preciso haber pasado hambre de vida desde niño.

22.- Si todo esto parece mecánico no lo es. Me guían las ideas. Cuanto mas hago, mas quiero hacer. Uno se vuelve voraz. Le entran fiebres, conoce júbilos.

23.- Creo firmemente que la cantidad redunda en la calidad.

24.- La cantidad da experiencia. Solo de la experiencia surge la calidad.

25.- No hace falta que te deprimas. No hace falta que te preocupes. No hace falta que empujes. Las ideas te siguen. Cuando bajen la guardia y esten lista para nacer; me doy la vuelta y las atrapo.

26.- No hay nada que fracase, todo continúa. Se ha hecho el trabajo. Si esta bien uno aprende. Si está mal aprende más todavía. El unico fracaso es detenerse. No trabajar es apagarse. No trabajar daña el proceso creativo.

27.- Deberíamos recordar que la fama y el dinero son dones que se nos otorgan solo "después" de que hayamos brindado al mundo nuestros dones mejores, nuestras verdades solitarias e individuales.

29.- La flecha debe volar hacia un objetivo que nunca hay que tener en cuenta.

Añado unos cuantos mas obra y gracia del compositor argentino Charly García

30.- Hacer una canción es muy facil o imposible

31.- Componer es matemática pura. A mi me interesa la fórmula.

32.- La letra es generalmente un complemento de la música.

33.- Si uno escribe solamente lo que le pasa, es periodista.

34.- Basicamente oomponer es como pintar, es usar un espacio, es como dibujar.

35.- No hay ningún misterio en componer. Como dijo Peter Gabriel "si le pones un revolver en la cabeza a alguien que quiera componer, es capaz de hacer una canción"

36.- Es muy importante saber tocar canciones para hacer canciones. Los grupos que solo tocan sus canciones no saben tocar otras canciones. Y generalmente sus temas son horribles: estan mal hechos. Hay veces que dos mas dos son cuatro.

Componiendo canciones (16) Bob Dylan sobre el proceso de escribir canciones

"Una canción es una experiencia; no hay necesidad de entender las palabras para entender la experiencia , y el intentar entender el significado concreto de las palabras puede destruir el sentimiento de la experiencia como un todo"

"las canciones no son mas que imágenes de lo que veo, atisbos de cosas, la vida quizá, tal y como se desarrolla a mi alrededor. No se limitan a ser palabras que se oyen. Estan desgarradas entre cosas distintas y la guia para el oyente está en el título de la canción"

"Las canciones son justamente pensamientos. Por un momento paran el tiempo. Escuchar algunas canciones es escuchar algunos pensamientos".

"La verdad es que la motivación es algo que desconoces detrás de las canciones. Sea la canción que sea nunca sabrás que motivación había.
Es agradable ser capaz de ubicarte en un entorno en el que puedes aceptar completamente todo el contenido inconsciente que te llega por los procedimientos internos de tu mente. Y bloquear toda la posibilidad de controlarlo...
Edgar Allan Poe debía hacer eso. Las personas que son escritores dedicados. Pero en general hoy la gente obtiene su información de la televisión o por algún medio que impacte tus sentidos.
Tienes que ser capaz de sacar los pensamientos de tu cabeza.
Ante todo hay dos tipos de pensamientos en tu cabeza: hay pensamientos buenos y pensamientos malos. Ambos pasan por tu mente. Algunas personas tienen mas de unos que de otros. Con todo, lo superan. Tienes que ser capaz de ordenarlos si quieres ser un cantautor, si quieres ser un cantante. Tienes que desprenderte de todo el lastre. Tendrías que ser capaz de desembarazarte de todos los pensamientos porque no significan nada y no hacen mas que tirar de ti.
Luego puedes hacer algo a partir de cierta supervisión de la situación. Cuentas con algún tipo de lugar desde donde puedes ver , pero sin que te afecte. Donde puedes aportar algo al asunto...
Componer canciones es como tomar algo de otro lugar que está siempre a un paso. No hay nada preestablecido. No hay reglas. Por eso resulta tan atractivo..."

"Intento componer la canción cuando me llega. Intento sacarla entera...Porque si no la coges entera nunca llegaras a cogerla. Por eso es lo de que los mejores tipos de canciones que uno puede escriobir se le ocurren a uno en habitaciones de motel y en los coches...lugares provisionales todos ellos. Porque no tiene uno mas remedio que hacerlo"

"A veces me resulta divertido rimar. Es como un juego. Ya sabes te sientas...Es como mentalmente...mentalmente...te produce emoción. Resulta emocionante rimar algo que puedas pensar que nunca antes se había rimado..."

"Bob Dylan. Las palabras". Vicente Escudero. Editorial Júcar.
"Dylan sobre Dylan" Jonathan Cott. Ed.Global Rhythm

Componiendo canciones (15) Paul McCartney explica como compuso Yesterday

Paul McCartney: Me desperté con una linda melodía en la cabeza. Pensé:"Que genial, ¿que será?. A mi lado había un piano vertical. salí de la cama, me senté al piano, encontré sol, encontré fa sostenido menor septima...y eso te lleva a si y a mi menor. Todo avanza de forma lógica. Me gustó la melodía pero como la había soñado no podía creer que la habia escrito. Pensé: "No, nunca antes he escrito así. pero tenía la melodía que era de lo más mágico. Y tienes que preguntarte. "¿De donde salió?...
Investigué la melodía y la gente me decía: "No, es hermosa, seguro que es tuya". Me esperé un buen tiempo antes de reclamarla como mía. No tenía letra. Solía llamarla "Scrambled Eggs" (huevos revueltos)
Siempre he tenido mucho cuidado en no repetir melodías de otros, porque es muy fácil hacerlo cuando compones.
En unas vacaciones en Albufeira (al sur de Portugal) empezé a desarrollar la idea de la letra. Sabía que las sílabas tenían que combinar con la melodía: da-da-da, yes-ter-day, su-dden-ly, fun-ni-ly. All my troubles seemed so far away. Es fácil rimar con esas palabras: say, nay, today, away, play. stay; hay muchas rimas y se te ocurren con gran facilidad, así que poco a poco fuí armandola a partir de esas vacaciones en Portugal.

La toqué para George y Ringo y me dijeron: "Hermosa, muy linda. Ringo dijo: "Realmente no creo que pueda tocar la batería en esa". George dijo: "Bueno, yo tampoco puedo agregarle mucho". Y John dijo "no se me ocurre nada; creo que deberías hacerla solo. Es una canción para un solista.
Y así la hice: solo mi guitarra y yo. Después George Martin tuvo la idea de agregarle un cuarteto de cuerdas y le dije: "No, no creo. Me contestó: "Tengo la sensación de que quedará muy bien. Ya me parece oirlo". Le contesté: "Ah, un cuarteto de cuerdas, eso es muy clásico, realmente no me interesa...". pero él con inteligencia, insistió: "Intentémoslo", y me pareció justo. "Si no nos gusta - me dijo- , podemos quitarla y volver al principio".

("Paul McCartney. Hace muchos años". autor Barry Miles. Editorial EMECË)

Componiendo canciones: (14) las canciones de tres acordes

El uso de los tres acordes es el mas común de los trucos de la composición en el rock.
Lo primero que me enseñaron en la guitarra fueron los acordes de MI mayor , La mayor y SI Septima para poder tocar un rock and roll. ¡que bien me lo pasaba rasgeando el Mi mayor y que fuerza tiene ese acorde!. En el dvd "Antologhy" Paul McCartney explica cuando Lennon, Harrison y él se recorrieron todo Liverpool para que un "avanzado" les enseñara como se hacía el acorde de SI Séptima. Te imaginas a los Beatles adolescentes descubriendo la piedra filosofal del rock and roll.

En el rock and roll mas antiguo hay infinidad de canciones de Chuck Berry, Little Richards, Carl Perkins, Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, etc usando como herramienta principal los tres acordes I IV y V, heredados directamente del blues de 12 compases.

Pero no solo en el rock de los 50, tambien en cosas mas actuales. Status Quo construyen casi toda su discografia con los acordes clásicos del rock. Canciones como "La Balada de John y Yoko" "Satisfaction" tambien se basan en los tres acordes sencillos que hicieron posible toda la explosion rock de los años 50.

También es la fórmula para infinidad de canciones pop como "Twist And Shout", "Should I Stay Or Should I Go" "Common People", "La Bamba".
Los tres acordes los puedes utilizar en cualquier orden. I V IV : "Brimfull of Asha", "If Not For You".
O añadir acordes menores. I III VI : DO MIm LAm ("Instant Karma").

Pero tambien puedes crear turnarounds de cuatro acordes utilizando tres. Repitiendo uno de los acordes creas un turnaround de tres acordes. ("Lay Down Sally" I IV V I = DO FA SOL DO), ("Peggy Sue" I IV I V = DO FA DO SOL), ("Ask Me Why" "I Shall Be Released" I II III II = DO REm MIm REm)
En fin... hay infinidad de variaciones en los turnarounds de tres acordes. "Eight days a Week" RE MI SOL RE.

Una vez lei en una entrevista a una compositora norteamericana de folk en las que ella explicaba que miraba los acordes como si fueran cartas de baraja y barajaba las cartas o acordes y asi iba creando nuevas sucesiones o nuevos turnarounds y a partir de ahi trataba de componer nuevas canciones. ¿buen truco? ¿verdad?

Componiendo canciones (12+1) Las canciones de 4 acordes. El turnaround del doo-wop

Después de unas semanas de inactividad motivado por los examenes de la UNED, volvemos a la carga en este blog con nuevas pildoras para reflexionar sobre el proceso de hacer canciones. Prometo ser mas constante en el mantenimiento de este blog...
Hoy pasamos directamente a las canciones de cuatro acordes: el turnaround del doo-wop (nos saltamos esta vez las canciones de tres acordes, pero lo haremos en próximas entregas).
Lo explicamos en pocas palabras: el turnaround es una sucesión de acordes que se repiten una y otra vez y que siempre funciona como generador de canciones. Solo hay que encontrar una melodia vocal por encima de la instrumentación, escribit una letra cojonuda y ...¡alehop! !ya tenemos canción!. Sign your life que decía Morrissey...

El turnaround tiene una nota central que es la tónica y a partir de aqui buscamos los relativos menores y rematamos con el acorde de salida. Si la tónica es DO, el relativo menor seria LA menor, luego iriamos a RE menor y terminaríamos con la nota dominante SOL7.
En terminos de cadencias o grados de tonalidad estariamos hablando de la sucesión I VI II V. El grado I seria la tónica o nota principal , el VI seria la superdominante , el II la supertonica y el V seria el dominante. ¿complicado?...lo entiendo, yo tambien me lío con estos tecnicismos.

Vamos a explicarlo de modo mas sencillo en otra sucesión de acordes: Si la tónica fuera RE, el turnaround sería RE-SIm-MIm-LA7.
Si la Tónica fuera SOL el turnaround seria SOL-MIm-LAm-RE7.

Para poner algo práctico que se pueda entender de modo fácil: la sucesión de acordes del bolero "Perfidia" es un ejemplo perfecto para explicar este turnaround.Para mi "Perfidia" es especial: fué una de las primeras canciones que me enseñaron a tocar en la guitarra y me fascinaba que a partir de aqui se pudieran interpretar otras canciones con los mismos acordes.
Y todo esto suena tan bien porque DO-LAm-REm y SOL7 comparten algunas notas comunes y eso hace funcionar tan bien estos acordes mágicos.
Tambien los acordes de estrofa de "Girl" de The Beatles son otro exponente del turnaround de 4 acordes. The Beatles lo aprendieron directamente de los grupos de doo-wop.
Cuando Paul MacCartney vió por primera vez a Lennon con The Quarrymen en un parque de Liverpool, éste interpretaba un clásico del doo-wop: "Come go with me" de Del-Vikings.
Y Los Beatles absorbieron magistralmemnte estas influencias a lo largo de su carrera: "Tell my why", "This boy", "Penny lane" y el chorus de "Your gonna lose that girl" son ejemplos claros del uso del turnaround "estilo doo-wop".
"Return to sender" de Elvis Presley , "Hungry heart" de Bruce Springteen son otros ejemplos del I VI II V y por eso tienen ese sabor cincuentero.

Bueno amigos: ¡a que esperan para hacer una canción con este turnaround de doo-wop!.¡Estan tardando!. Hasta la próxima...

Componiendo canciones (12) ¿Como se compuso?

“Sin documentos”, de Los Rodríguez
Por Andres Calamaro
La canción nace en Madrid. Tal vez la hice en una casa de la calle Martínez Campos o quizás en la sala de ensayo de la calle Tablada número 25, donde está filmada la película de Almodóvar Laberinto de pasiones. Los documentos, por ejemplo la cédula de identidad, son parte de nuestra cultura y de la idiosincrasia policial. Para los de mi edad está relacionado con la persecución y la represión, era un asunto bastante heavy con la policía, y lo sigue siendo. Además, para los extranjeros en Europa también es importante: la mitad de Los Rodríguez estábamos indocumentados. Estábamos conquistando España sin documentos, lo cual era divertido. Pero la letra es estrictamente sentimental. Es otra estúpida canción de amor, indudablemente. Es el varón frente a la amplitud del corazón latiéndole. La constante de esa letra parece ser el insomnio, el romance, una idea vacía y el paso del tiempo. Muchas veces se piensa que una canción es letra y música, pero en realidad, son muchas más cosas... Aunque la música y la letra parecen balanceadas, creo que hay otras cosas que la hacen un poco más importante, como el fervor y un buen título. “Sin documentos” tiene esa particularidad: el pueblo las pudo cantar con el brazo en alto. Otra estrategia es el intervalo, el primer acorde es un Sol Menor muy sencillo y yo empiezo a cantar en un Re, en la quinta... ¡Cómo suena esa distancia! Es lo mismo que en “Mil horas”, “Días distintos” y “Para no olvidar”. El mismo intervalo, el mismo tono. Me parece que deliberadamente estaba usando cosas de “Mil horas” diez años después, para ver si podía repetir esa sensación triunfal.

(Del libro de Maitena Aboitiz "Antologia del rock argentino"

Componiendo canciones (11) Las canciones de dos acordes

Me recordaba mi amigo y socio musical Miguelo Arencibia unas declaraciones de Lou Reed en las que contaba que cuando trataba de componer una canción lo hacía siempre sobre un acorde, si aparecia otro acorde la cosa se complicaba y si la canción tenía tres acordes entonces para Lou esta se convertía en puro jazz.

No vamos a llegar a tanta ironía, pero hay que reconocer que existen canciones magníficas con solo dos acordes. En España sin ir mas lejos tenemos a Radio Futura que siguiendo las enseñanzas de los Talking Heads crearon enormes canciones de solo dos acordes: "Escuela de calor"(LA-Sol), "No tocarte"," En el chino", todas ellas con un elemento funky muy acentuado. A mi me intrigaba especialmente porqué "Escuela de calor" me resultaba tan buena y divertida teniendo solo dos acordes. ¿donde radicaba el truco? ¿en la letra tan oscura y tan llena de imágenes? ¿en el pegadizo riff de Enrique Sierra?¿en la intro de bateria de Solrac? ¿en la melodía vocal de Santiago Auserón?. La gente habla mucho de "La chica de ayer", pero para mi hay un antes y un después en el pop español cuando se editan "la estatua del jardin botánico" y "Escuela de calor"

The Police hicieron varias veces el truco de los dos acordes en canciones como "One world" o "Too much information".Y siempre con magníficos resultados.

También estan las canciones de cuatro, cinco acordes, pero donde la estructura principal de las estrofas se asienta sobre dos acordes principales que se suceden a lo largo de la canción: "My girl" de los Temptations, "Walk on the wild side" de Lou Reed, "Angel of Harlem" de U2. Todas estas hacen el clásico cambio de Do Mayor a Fa Mayor., que aprendíamos cuando empezabamos a tocar la guitarra. (¡Que díficil resultaba hacer el fa con el dedo índice!)
Un cambio muy interesante para las canciones ocurre cuando estamos en tono mayor y luego cambiamos al relativo menor. Por ejemplo de DO Mayor a LA menor: Esto pasa en la estructura principal de canciones como Marie is the name (his latest flame) que cantaba Elvis Presley ,y en el que The Smiths se inspiraron en su segundo disco de estudio para componer "Rusholme ruffians", otros ejemplos son "You really got a hold on me" de The Miracles y "Itchyoo park" de Small Faces.

Una variación muy sugestiva es cuando los dos acordes son menores, como sucede en "Losing my religion", que va de Mi menor a la menor o "The Model" de Kraftwert.

Tambien resulta interesante ir de un acorde menor a un acorde mayor como acontece en "Spirits in the material world" de The Police, que en la estrofa va desde el la menor hasta el Sol mayor. O "My sweet lord" de George Harrison y "Venus" de Shocking Blue, que van desde el Mi menor al La mayor (En el caso de "My sweet lord" habria que poner una cejilla en el 2º traste con lo que el mi menor se convertiría en Fa# menor y La se transforma en Si mayor.

En las canciones de dos acordes son muy importantes las lineas de bajo, que le pueden poner el sabor, el toque añadido, las especias en terminos culinarios a algo que en principio puede parecer aburrido y reiterativo. Una armonización inteligente en canciones de dos acordes pueden hacer de la canción algo memorable.

En definitiva para componer canciones no hay normas, no hay fórmulas infalibles, no hay reglas inmutables: cada uno debe guiarse por el instinto y no es mala idea empezar con solo dos acordes para no complicarnos la vida. Muchas veces, menos es mas.

Componiendo canciones (10)¿Como se compuso?

“De música ligera”, de Soda Stereo
Por Gustavo Cerati:
Mis padres tenían una caja de discos que se llamaba “Clásicos ligeros de todos los tiempos” donde había música de películas, obras clásicas y de todo, mezclando Mozart con Ennio Morricone. Esas palabras me habían pegado mucho y a mí me quedó sonando siempre la frase de “clásicos ligeros”. ¡Todo el tiempo vuelvo a lo que hacía cuando era chico! Es un momento en el que salieron muchísimas cosas: ideas musicales, ideas con la guitarra y cosas que ahora no se me ocurriría hacerlas. Por otro lado, había participado en el disco Conga, de Daniel Melero, tocando en un tema que se llamaba “Música lenta” que decía: “serán los efectos de la música lenta”. Y fue como una especie de respuesta velada, porque me impulsaron esa misma canción y los efectos de la música lenta. Después me acordé de los clásicos ligeros y de la música ligera, y empecé a escribir sobre lo que significaba un poco la idea del pop. Por un lado, no podés zafar de ello y siempre está bueno escuchar una canción así, donde no tenés ni qué pensar, porque simplemente está y te arrasa. Por otro lado, no es que te quede tanto, sino que es sólo un momento en la vida. Fue uno de los temas más instantáneos que tuvimos con Soda Stereo. Fue llegar a la sala, empecé a tocar el riff, y salió. Musicalmente, lo creamos los tres. La letra la escribí ahí mismo, no entera, pero parte sí. La mayoría de las veces la motivación para escribir, la inspiración, te sale de la misma música. La misma música tiene los ingredientes necesarios a la letra, hay algo de lo que me está hablando la música. En este caso era lo más liviano y lo más pop que podía imaginar, era como una canción que había estado guardada durante mucho tiempo ahí. Lo primero que siempre escribo es el estribillo, que aquí fue: “de aquel amor de música ligera”. Después habla de la música en sí: “ella durmió al calor de las masas y yo desperté queriendo soñarla”. ¡Es eso, es la música hablando! Entre nosotros sentíamos y sabíamos que ese tema iba a reventar. A veces lo sentís eso. Y por la forma tan instantánea en que salió fue como si la hubieran tocado diez mil grupos antes. Quizás no fue así... ¡la tocaron diez mil grupos después!

(Del libro de Maitena Aboitiz "Antología del rock argentino"

Componiendo canciones (9) Las canciones de un acorde

El ejemplo de canción hecha sobre un solo acorde que sea conocida por mucha gente y que además es una gran canción, es el último tema del disco de The Beatles, "Revolver": "Tomorrow never Knows".
Aquí tenemos a John Lennon en plan avant-garde. John Lennon en estado puro, experimentando.
A Lennon se le ocurrió hacer una canción que fuera casi como un mantra en el acorde de Sol. La letra estaba inspirada en el "Libro tibetano de los muertos", que leia por entonces.
Los Beatles para adornarlo grabaron una serie de loops con diferentes ruidos y lo fueron sincronizando con los rudimentarios medios de Abbey Road en esa época. Todavía se grababa en 4 pistas. Aunque la idea inicial de Lennon era que cantaran unos monjes tibetanos auténticos.
El resultado: una de las canciones que mas sorprendió a los oyentes de la época y que demostraba que los Beatles evolucionaban al ritmo de los tiempos. Y canción que no ha perdido actualidad.
Naturalmente "Tomorrow never knows" tenía antecedentes dentro de su discografía: casi toda la primera estrofa de "Ticket to ride" esta cantanda en el acorde de La mayor . A los siete compases de estar en La mayor ("drivin me mad , its going away") viene el primer cambio de acordes a Si menor.
Tambien las estrofas de "Paperback Writer" estan cantadas en el único acorde de Sol. Otra cosa son los estribillos donde ya hay cambios armónicos.
"Tomorrow never knows" proviene de las influencias de la música hindú que empezaron a manifestarse en el Rubber Soul. Sobre todo fué George Harrison el catalizador de esta corriente dentro del grupo dado su interés en la cultura india. En la discografía de The Beatles podriamos hablar de canciones como "Love you too", "She said, she said", "Rain"en donde se escucha claramente este tipo de estilo.
Otras canciónes conocidas construídas alrededor de un solo acorde son "Exodus" de Bob Marley en La menor y "Careful with that axe, Eugene" de Pink Floyd en do# menor.

Componiendo canciones (8) el ritmo

Las canciones se basan en la conjuncion de letra, melodia, armonía y ritmo. Ya hemos hablado de la letra, de la melodía, de los riffs. Hoy vamos a hablar de algo del que tengo un conocimiento mas intuitivo que práctico: el ritmo.
El ritmo no es menos importante que la armonia y la melodia, aunque muchos compositores no le den mayor importancia.
Dentro de la musica rock, que es la que estamos tratando mayormente en este blog, el ritmo mas utilizado es el 4/4, seguido del 3/4. tambien se utilizan otros ritmos como el 2/4 , el 6/8, el 12/8, etc.
El ritmo en las canciones viene marcado por la batería y la manera de golpear del baterista, su uso del bombo, caja, charles, toms y demas platos es lo que puede hacer distintivo una canción. Un batería tocando el mismo ritmo que otro bateria puede engrandecer o empeorar una canción.
En las canciones folk el ritmo viene implicito en la manera de rasguear la guitarra.

Reconozco que no soy una persona muy versada en ritmos, pero como oyente siento que determinados patterns o patrones de bateria me tocan la vena sensible., me hacen mover las piernas o me elevan una canción que puede parecer aburrida.
Pero algo de eso le pasaba a John Lennon que se encogia de hombros cuando le explicaban que "Good Morning, good morning" la habia compuesto en el inusual ritmo de 5/4 . Como diciendo: yo pasaba por aqui y no se muy bien que ritmo le queria dar a la canción.

En estilos como la música soul ya sea de Motown o Atlantic-Stax el ritmo es tan o mas importante que otros elementos de la canción. Esto último lo leí una entrevista con el gran compositor de la Motown Lamon Dozier. La discográfica Motown tenia por lo visto un par de baterias (Uriel Jones muerto recientemente) de estudio que fueron los que les dieron el caracteristico sello a las canciones de The Supremes, Marvin Gaye, the Temptations o Stevie Wonder. Uriel Jones merece un monumento solo por tocar en la grabación de "Aint no mountain high enough" , la fabulosa canción de Marvin Gaye y Tammy Terrel.
O el baterista Al Jackson de los estudios de Stax y que grabó todos los discos de Wilson Pickett, Otis Redding, Sam and Dave y demas figurones del soul sureño: "Hold on, I´m coming", "Respect", "I can´t turn you loose", "Green Onions", "(Sitting on) the dock of the bay", etc. ¡fabuloso Al Jackson!

En la música disco de los 70 que es heredera del soul de los 60, el ritmo y los tempos cada vez mas acelerados son primordiales para que los Travoltas de la época se desmelenaran en las discotecas, boites y demás antros nocturnos.

En el rock el uso de la bateria como elemento fundamental hace que los buenos bateristass se valoren al alza. Los Beatles no ficharon a Ringo Starr por un simple capricho. Ya lo habian visto tocar en Hamburgo y solo hay que escuchar el rotundo uso de los parches en "Twist and Shout", el toque original de "Ticket to ride","Come Together" o la intro de "Paperback Writer" para entender porque Ringo era tan bueno, aunque muchos enteradillos de la época lo tildaran de bateria mediocre.
¿Y que me dicen de Keith Moon?. La musica de The Who no hubiera sido la misma sin un bateria tan explosivo e inventivo.
Otro bateria magistral y que marcó el rock de la década de los 70 es John Bonham y su golpeo profundo y elegante. Su uso del pedal de bombo marcan muchas canciones de Led Zeppelin.

Finalmente unas pocas lineas para hablar del bateria mas imaginativo a mi modo de ver de las tres últimas décadas: Stewart Copeland (je, je, je, la foto del post me ha delatado...). Solo oirlo tocar en los primeros compases de "Roxanne" te da la medida de lo que se va a convertir mas tarde. Stewart Copeland hizo un uso tan sofisticado y potente de los ritmos reggae mezclandolos con los ritmos mas rockeros (a veces ritmos étnicos) que creó escuela. Manejaba todos los elementos de su Tama (especialmente el charles) como pocos. A mi especialmente me llamaba la atención unos tambores delgaditos y alargados y que nunca se los había visto antes a ningún baterista. Luego supe que se llamaban octovanes.
Stewart Copeland es un batería exhuberante y sencillo al mismo tiempo, nunca hizo un solo en un disco, pero te puedes pegar horas prestando atención a su manera de tocar y a su "sonido". (Me encanta oirlo golpear los parches en "One world", "Too much information","No time this time" o en "Bombs away"). Al hacer Sting un uso tan minimal de las lineas de bajo provocaba que el sonido de la bateria este tan presente en las grabaciones de The Police.

Asi que si no tienen una buena caja de ritmos para componer, un consejo: ¡contraten a un buen batería!

A los seguidores del blog les pido esta vez que me comenten sonidos o ritmos de bateria que les hayan impactado. (Asi a bote pronto, a mi me encanta el sonido y el feel de la bateria de "Satisfaction" de los Rolling Stones cuando Jagger dice aquello de "no, no, no" y se quedan solos bateria y pandereta (min 1,03), ese sonido para mí es mágico y tan o más importante que el riff de guitarra.)
(Prohibido poner "We will rock you", las normas de buen gusto de este blog asi lo imponen)

Componiendo canciones (7) R.E.M. contando sus secretos

Peter Buck: Michael (Stipe) y yo empezamos a componer juntos antes de empezar con la la banda. Escribimos alrededor de 40 canciones de las que solo sobrevivieron 2 y que luego grabariamos posteriormente. La primera canción que grabamos fué "Guardian night" , "Just a touch" tambien fue escrita entonces pero no la grabamos hasta el cuarto album.
Nosotros siempre estabamos juntos y compusimos tres canciones el primer dia. Todas ellas muy imitativas de la música que nos gustaba. La mayoría estaban en el acorde de La mayor, que era el mas familiar para mi...
Los acordes menores los descubrí cuando formamos la banda. En los primeros tiempos Michael y yo traimos las canciones acabadas pero luego empezamos a escribir en tandems: Mike Mills y yo, Michael y Bill Berry, Michael con Mike, etc. Y le mostrabamos lo que componíamos a los otros colegas. Mas tarde empezamos a componer los cuatro juntos. Cada uno hacia canciones por su cuenta y lo enseñaba al grupo, que entonces lo editaba. Nos reuniamos en el local de ensayo y uno cogía el organo, otro la guitarra, otro el bajo (no necesariamente su instrumento), y yo podía estar tocando la batería mientras Bill tocaba la guitarra o el bajo...

Peter Buck: Cuando Michael viene con las letras para insertarlas en la música casi nunca le ponemos objeciones.
Bill Berry: A lo mejor cambiamos una palabra o dos, pero eso es todo.
Buck: Cada uno individualmente puede tambien vetar una canción...
Berry: Pero el sentido melódico de Michael es misterioso. Nunca hemos tenido problemas con eso.
Buck: Es extraño. Michael oye un riff de bajo o un riff en la guitarra y dice "la melodia debe salir a partir de aqui" y viene luego con sus extrañas frases.
Es divertido, si tu analizas las canciones : las melodías de Michael viene un montón de veces del bajo y eso me hace cambiar muchas veces los acordes cuando estamos estructurando la canción...

Michael Stipe : La música que va surgiendo me va sugiriendo las palabras, pero muchas veces las palabras van cambiando ligeramente la musica..."Shiny happy people" era originalmente una cancion acústica muy tranquila y al final se convirtió en una canción rock muy alegre lo cual es complicado, porque lo fácil es hacer una canción triste. La felicidad real es muy dificil de describir porque tiene algo de tonto...
El componer canciones es misterioso para mi. Algunos veces pienso que la representación de una melodia es como la interpretación de tus conversaciones internas . O por poner un ejemplo lo que interpreta posteriormente un director de videoclips de tu canción.

Nosotros eliminamos versos enteros excelentes y buenos estribillos porque son innecesarios o porque lo realmente importante es otro elemento dentro de la canción. Rearreglamos la canción hasta encontrarle el sentido.
- ¿Escribes la mayoria de las melodias Michael?
- Mi labor en la banda esta mas enfocada a los arreglos. Yo suelo decir en los ensayos: - " Hey muchachos, toquen eso que acaban de hacer".
Creo que soy bueno arreglando desde un punto de vista no musical en la banda. Yo no estoy educado musicalmente como puede estarlo Mike Mills, pero creo que es bueno mirar las canciones desde esta perspectiva.
"Songwriters on songwriting" Paul Zollo . editorial Dacapo press