sábado, 27 de octubre de 2012

Componiendo canciones 24, Pink Floyd

David Gilmour: En mi opinion "Echoes" es la obra maestra del disco, la pieza en la que todos descubrimos de que se trataba Pink Floyd, "One of these days " es una pieza subsidiaria que surgió mientras trabajabamos en "Echoes" . "Echoes" me ha gustado siempre. Es fundamental. Y "Meddle" es el disco en el los cuatro nos afianzamos y decidimos como quería que fuera Pink Floyd. Mucho mas que "Ummagumma" o "Atom Heart Mother".
¿Que papel jugó Chris Thomas en Dark Side The Moon"?
Chris vino para las mezclas y su papel fué evitar las discusiones que Roger y yo teníamos sobre como debía ser mezclado el disco. Yo quería que fuese enorme, pantanoso y húmedo, con reverberaciones y cosas así, Roger lo quería mas seco, posiblemente influido por el primer disco de John Lennon "Plastic Ono Band". Discutimos tanto que tuvimos que recabar una tercera opinión. Thomas debía mezclarlo a su manera, pero naturalmente Roger metió las narices, así que el segundo dia lo hice yo y asi nos turnabamos, siempre sobre el hombro de Chris, interfiriendo tanto como nos era posible. Afortunadamente Chris estaba mas de acuerdo con mi punto de vista que con el de Roger.
¿Fué la primera ocasion en la que saltaron las tensiones a la superficie entre Roger y tu?
Siempre hubo tensión. pero era una tensión controlada al menos hasta The Wall.
En ciertas ocasiones la tensión puede ser creativa. Y lo mismo que hay tensión creativa hay tensión egocéntrica y megalómana.
El enorme exito de "Dark side of the moon" ¿se tradujo en una presión a la hora de elaborar "Wish you where here"?
Si, de eso trata precisamente el disco, por lo menos en lo que respecta a Roger. Para mi "Wish"  es el album mas satisfactorio. Creo que alcanzamos un equilibrio entre letra y música mejor que el "Dark Side". En este se le dió demasiada importancia a las letras y consecuentemente la música se resintió. Uno de los fallos de Roger es que a veces, en su esfuerzo por encajar las letras emplea vehículos musicales bastante imperfectos.
A mi me gusta la estructura, la melodía. Soy un gran admirador de The Beatles y casi todo lo que me gusta , por ejemplo el blues, es musica altamente estructurada. Las estructuras libre no son lo mío. Pero las estructuras demasiado rígidas tampoco.
"The Wall" es el primer album que tiene un argumento mas o menos convincente.
Me gustaba la historia de Roger. No estaba totalmente de acuerdo con ella, pero has de dejar que la gente tenga su propio punto de vista. Mi vision del público tambien era diferente a la de Roger. A él no le gustaba girar, no sentía el menor contacto con el público. Mi vision de "The Wall" hoy es más amarga. Ahora lo veo como un catálogo de personas a las que Roger culpa de sus propios fracasos en la vida, una lista de "me jodiste por aquí, me jodiste por allí".
(Bertrand Laforette, Ruta 66 Dic 1996)
Nick Mason: Las discusiones que propiciaron el desarrollo de "Dark Side of The Moon" tuvieron lugar en una reunión del grupo en la mesa de la cocina de mi casa, en St. Augustine Road, en Camden.
Además de las canciones de Roger teniamos varios fragmentos grabados de anteriores ensayos y algunos temas mas acabados. Pero aún no teniamos un tema unitario que ayudara a Roger a desarrollar el trabajo inicial. Mientras hablabamos surgió el tema del stress como hilo conductor. Hicimos una lista de las dificultades de la vida moderna que podíamos reconocer en especial.: las fechas límite de entrega de los discos, los viajes, el stress de volar, el aliciente del dinero, el miedo a morir y los problemas de inestabilidad mental que pueden desembocar en locura. Armado con esta lista, Roger se fué para continuar trabajando las letras...
Utilizando las letras específicas de Roger, la música se desarrolló durante los ensayos y despues en el estudio de grabación, lo cual dejó oportunidad a Roger de corregir cosas.
Despues de la desbandada de Syd, la responsabilidad de escribir letras recayó en Roger. David y Rick escribian letras de vez en cuando. En Dark Side , Roger asumió la tarea con un estilo estimable: sus palabras proporcionaron al album nuestras letras mas abiertas y específicas hasta entonces. (aunque el mismo las menospreciase en alguna ocasión, denominandolas "material adolescente"...). Por primera vez consideramos imprimirlas en su totalidad en la carpeta del album.
("Dentro de Pink Floyd", Nick Mason, Editorial Ma Non Topo)

lunes, 23 de enero de 2012

Entrevista a Miguel Cedrés Guia De Ocio de Lanzarote


Guia de Ocio de Lanzarote
Miguel Cedrés. “Las buenas canciones tienen algo intangible que las hace perdurar en el tiempo”


La grabación de Tarde o temprano ha tenido mucho de espontaneidad. De meterse en el estudio y dejarse fluir. ¿Cuánto tiene de improvisación el disco? ¿Y cómo fue la experiencia de grabación en el estudio?

- Lo que mas llama la atención del método de grabación es que no hice maquetas, es decir no le di muchas vueltas a las canciones, (eso fue fundamental porque si no terminas quemando las canciones). Las tenía compuestas con la guitarra acústica en casa, después hice 4 ensayos con los músicos (sección rítmica), definimos los arreglos y fuimos directamente al estudio: en una tarde grabamos 9 baterías y 9 bajos. Si cuentas con buenos músicos ese momento del proceso es bastante sencillo (si oyes el disco oirás buenas líneas de bajo y buenas baterías). Luego con las guitarras estuvimos más tiempo probando sonidos, micros, pedales, texturas, etc. “Tarde o temprano” es un disco de guitarras y yo soy guitarrista…
La experiencia fue muy excitante, de tener canciones que eran casi un boceto e ir añadiéndole guitarras, teclados, voces. Y dia a dia vas viendo cómo van creciendo…descubrí que me encanta estar grabando.

- Comentas que la melodía es fundamental en tus temas, casi más que las letras. ¿Cómo llegan las notas a tu cabeza y cómo es el proceso de engarce? ¿Necesitas mucha disciplina, una atmósfera concreta….? El proceso compositivo siempre tiene peculiaridades en cada creador…

- Disciplina no mucha, suelo estar tocando la guitarra en casa, de repente doy con una secuencia de acordes guapa o con un buen riff. A partir de ahí hago una melodía vocal y la grabo en una cinta de cassete…si al cabo del tiempo la melodía vocal me sigue convenciendo le pongo letra, para mí, la parte del proceso más difícil porque no tengo mucha experiencia como letrista. También porque no quieres decir cosas trilladas y que lo que se grabe tenga un significado para la gente. En el cine americano siempre se piensa en el público y la segunda parte del proceso de componer es , vale, me gusta a mí , pero ¿le gustará al público?. La melodía vocal es fundamental en la canción, es lo primero que pilla el oyente y si es buena seguro que tendrá ganas de repetir y pasará la prueba del tiempo. Pero después hay algo más, algo intangible que hace que la canción perdure.

- Los buenos arreglistas –y tu eres uno de ellos- suelen ser músicos de ideas claras. Al menos, de oídos muy bien entrenados para discriminar entre sonidos que les convencen y otros que no tanto. ¿Te sientes igual de cómodo poniendo voz a tus temas?

- Gracias, pero no sé si soy tan buen arreglista. Simplemente sé lo que me gusta y lo que no. Creo que el criterio es lo más importante a la hora de componer, tocar la guitarra, elegir a los músicos, las canciones. Hay tantos estilos para vestir una canción que tienes que tener claro lo que quieres: Oír mucha música, discriminar sonidos, timbres…lo de mi voz ha sido una lucha en este último año, nunca pensé en ser un frontman pero puedo defender con dignidad mis canciones…

- ¿Cómo ves la escena musical en Lanzarote?

- Siempre ha sido una escena muy avanzada, moderna… Cuando en Las Palmas apenas había grupos de pop en los 80, Lanzarote era una avanzadilla, una escena en miniatura de la “movida madrileña”, aquí estando de vacaciones he visto a muchos grupos buenos, brillantes, imaginativos…Papita Rala, Cesaguely, Los Cerrajeros, Grupo Insular, Marca Acme, Rubicón, La Isla, Zürych, etc

- Dicen que el handicap de los músicos canarios es la lejanía. ¿Crees que las instituciones deben tener un papel predominante en el apoyo de los creadores canarios, o que la cultura debe intentar salir a flote por canales independientes?

- Debería serlo porque los canarios lo tenemos el doble de difícil que un grupo de Cádiz. A mí para este disco no me dieron ninguna ayuda y eso que la solicité…, me lo he costeado todo yo y eso que en el concurso de Canarias Cultura en Red lo más que se valoraba era la trayectoria…(debo no tenerla o quienes recibieron las subvenciones como pasa siempre, estan mas cerca del poder politico que las concede...)pero si, los canarios lo tenemos más complicado para todo… también hay que mojarse y hacer proyectos que tengan credibilidad. El público al final es el soberano y es el que decide si un proyecto musical les gusta o no.

- ¿Cuándo podremos verte en directo en Lanzarote? ¿Alguna fecha para el mes de septiembre?

- No lo sé, la crisis económica de los ayuntamientos hace que vivamos un momento complicado, pero no pierdo la esperanza de que un día contraten a Miguel Cedrés en vez de a Melendi. De momento no hay nada a la vista en forma de conciertos, pero estoy pensando en producir algo para teatros sin depender de instituciones.

- Rock con influencias británicas en tu disco… ¿Qué tienen los Beatles, los Credence Clearwater Revival para que hayan calado tanto en tu forma de amar la música? ¿Nos recomiendas algún sonido ‘british’ que hayas descubierto hace poco?

- Los Beatles demostraron al mundo que todo era posible, que podías derribar barreras culturales y de costumbres solo con la música. Tenían un optimismo que lo reflejaron en su imagen y en su música. Proporcionaban fé respecto a la idea que los jóvenes podían cambiar el mundo. Se puede aprender mucho todavía de su música. En sus discos está todo el rock y todo el pop. Y en los discos de Credence pasa lo mismo respecto a las raíces norteamericanas: country, blues, soul, etc- Recomiendo a Miles Kane como artista británico nuevo.

- Tu disco se puede comprar en la web de la distribuidora: areasonora.com. ¿Lo podremos escuchar también en Spotify o en iTunes?

- Espero que dentro de poco, estoy negociándolo.

- ¿Qué música te ha emocionado más en este último año?

- El disco de Fleet Foxes, el de Beady Eye, el single de Noel Gallagher, el single de Miles Kane, alguna canción suelta de The Suburbs de Arcade Fire y las nuevas canciones de Monday Faces.

- En sus últimas actuaciones en Lanzarote, contaste una anécdota muy divertida: en un directo en una discoteca de Arrecife, el público, eminentemente ‘piberío’, les acompañó cantando con fervor todas las canciones. Al final; sesión de autógrafos. Usted pregunto a un joven no sin cierta incredulidad si sabía quiénes eran Los Coquillos y el muchacho respondió que sí, que su padre le había obligado a ir al concierto so pena de no dejarlo salir nunca más.  ¿Cómo ves a esta nueva generación de jóvenes canarios, tienen una nueva cultura musical? ¿Oyen más música? ¿Internet les ha abierto horizontes? ¿Manda el hip hop? ¿Qué percibe?

- No lo sé, lo cierto es que la radio y la tv actuales no educan bien musicalmente: y siempre manda desgraciadamente lo comercial. Internet es una herramienta preciosa y poderosa para conocer música, pero cuando veo los coches que pasan a mi lado con la música reggaeton a todo volumen decae mi fe en el género humano…no lo sé, es cuestión de gustos… y educación (musical)

- “Si, sí, sí” o “Borracho hasta el amanecer” son auténticos himnos (además de haber sido un bombazo en Sudamérica). Con la perspectiva que dan los años: ¿Qué ingredientes crees que las hacen canciones vigentes y clásicas, 20 años después?

- Buenas letras donde la gente se refleje o se identifique, buenas intros, buenas melodías, buenos coros para cantar a pleno pulmón…

- No nos queremos despedir sin que nos recomiendes algunos títulos: Un disco / Un autor / Un paisaje de Lanzarote / Un plato / Una película

- Un disco: que sean dos: “The Queen is dead” (The Smiths) y “Abbey Road” (The Beatles)

- Un autor: Oscar Wilde
- Un paisaje: la playa de Famara

- Un plato: una buena sama roquera con papas arrugadas

- Una película. American Grafitti

martes, 11 de enero de 2011

Componiendo canciones (23) Gustavo Cerati


A Gustavo Cerati me lo dió a conocer mi amigo y magnifico guitarrista canario Alex Labao, cuando estabamos preparando el directo-unplugged del Auditorio Alfredo Krauss.
Me dijo: Miguel te voy a enseñar a un grupo que a mi me recuerdan mucho en algunas cosas a Los Coquillos. Naturalmente yo habia oido "Ella usó mi cabeza como un revolver" cuando en las tv locales canarias ponian Galavision y me parecia ese tema muy "I am the walrus" y tambien recordaba años atrás los anuncios en prensa musical española de "Cancion Animal" (megavendedor en Sudamerica y desconocido en España)
Luego con el advenimiento de internet empecé a pedir discos antiguos de Soda Stereo y de Cerati a determinadas webs de Argentina, Alemania, Amazon y a bajarme algun tema por el Napster.
A mi amigo y filósofo Tomas Acosta, compositor de una de las canciones que irá en mi próximo disco lo he convertido en devoto de Gustavo Cerati, se enganchó con el "Ahi Vamos" y eso que Tomas es muy exigente con las letras.
El ultimo disco de Cerati "Fuerza Natural" me parece una obra maestra , lastima que no se conozca mas en España, Cerati esta desde el pasado verano en coma despues del ultimo concierto en Venezuela. No soy muy religioso pero rezo por ti ¡maestro!
Lo que sigue a continuación son fragmentos de entrevistas donde Gustavo Cerati habla del proceso creativo a la hora de hacer canciones.

"El momento de `Doble vida’ fue el más zarpado de todos. Yo me había casado, tenía una esposa que duró menos de un año y varias canciones de este disco las compuse pensando que tenía que salir rajando de un lugar que no me gustaba."

"No es un disco post-moderno. No hay cinismo. Hay una frase que para mí es clave: "harto del sarcasmo, sube el precio del silencio". Hay una intención más...verdadera. En "Bocanada" yo estaba más interesado en la mentira, por decirlo así. En ocupar diferentes personajes para escribir frases de las que por ahí no me hago cargo. Y tampoco es un disco cool."

"Con el tiempo he notado que conozco mis biorritmos, he aprendido a esperar, porque no vale la pena forzar algo que no se da naturalmente. Después de Soda (la gira Me Veras Volver 2007) estuve casi un año sin hacer nada, ni una sola canción, esperando que mi antena se renovara. Afortunadamente ya no tengo que correr detrás de nada. Si no viene, pues me dedicaré a hacer cuadros, ¿que se yo? Escribir no es algo tan vital como antes".

"Hay una búsqueda musical porque a mí me inspira escribir letras a partir de la música. Naturalmente, uno tiene la antena para cosas que ocurren alrededor, situaciones que tienen que ver con tus vivencias, pero la verdad es que en la música está lo que quiero decir. Y si a veces despotrico un poco con el tema de la lírica, lo hago de la misma manera con el lenguaje, en definitiva son especies de prisiones, son como situaciones mucho más terrenales. La música es como volar. Ya de chico no podía escribir muchas historias, era más descriptivo en cuanto a lo emocional y estaba mucho más interesado por los surrealistas y aquello que me llevaba para otros lados, por eso era tan fanático de Spinetta en su momento. En realidad soy una persona muy titulera, tengo títulos. Y ya los títulos casi dicen todo, ojalá pudieran ser nada más que eso solo, pero generalmente necesito escribir sobre eso, entonces le doy vueltas a esa cosa".

"Disfruto mucho de la competencia creativa, tengo admiración por otros músicos, no me siento realmente en un estado de Parnaso. El tiempo no parece pasar en eso, y me encuentro reseteándome todo el tiempo. Tengo un pésimo ejercicio de memoria, no me interesa lo que ocurrió. Nos vamos poniendo un poquito más grandes y empezás a recapitular un poco, pero la verdad es que mi tendencia natural es a no ir acumulando de esa manera, me cuesta ver para atrás. Entonces veo en el hoy músicos o gente que me producen mucha admiración, y quiero aprender de ellos y quiero competir con ellos, pero desde un lugar que me haga bien, siento que me hace mejor cuando aprecio la forma en que componen otros: me ha pasado con Daniel Melero, y también obviamente con Richard Coleman, Leandro Fresco, gente con la que he trabajado..."

“Veo a la gente de mi generación que ha bajado ya los brazos en cuanto a la creatividad, es terrible. Yo sigo jugando como antes con la música y la verdad es que no miro para atrás, aunque puedo ver de reojo”.

"Lo más interesante para mi de “ Bocanada “ es haber creado una variedad tan grande de formas de encarar la canción: asi como hubo momentos muy íntimos de guitarra y voz, también hubo momentos que son pedazos de canciones “ sampleadelia” pero no con intención de hacer un remix, sino de hacer otra canción .
Poner al servicio de toda posibilidad tecnológica la posibilidad de jugar con cosas muy diferentes y convertirlas en una canción".

"Soy un abusador de metáforas, pero este disco me indicó que era el momento de que las cosas fueran más directas, de no poner tantos filtros, de lo que sentía ponerlo y de lo que no sentía inventarlo. Las letras no dan tantas vueltas, van más a la cosa, tiene que ver con el sonido, mi mayor inspiración fue la música. No fue un libro o una película, aunque eso pueda ser una referencia, la misma música contiene el gen de la letra que voy a escribir".

"El disco ("Ahi Vamos")lo hice en mi estudio, en Unísono, compuse todo en seis o siete meses, lo tocamos todo en vivo, la mayoría de los temas los hice como dirigiendo la banda, como hacía con Soda. Voy como dirigiendo armónicamente y melódicamente, zapando inventando y así fuimos creando los demos."

martes, 8 de junio de 2010

Componiendo canciones (22) Lennon y McCartney


John Lennon y Paul McCartney son los grandes maestros de la composición en el mundo del rock. Dos muchachos de Liverpool que a base de aprender el oficio de compositores, fijandose en sus maestros (Chuck Berry, Little Richards, Buddy Holly, Carl Perkins, Smokey Robinson, Lamond Dozier, Brian Holland, Roy Orbison, etc), retandose y ayudandose mutuamente hicieron de su musica la mas influyente de las ultimas cuatro décadas de rock and roll (no hay que olvidar tampoco a George Harrison como compositor), generaron una verdadera revolución cultural y le dieron un sentido artístico a la musica pop.
El otro dia hablaba con un amigo del antagonismo entre lo comercial y la calidad (que supuestamente no vende) y comentabamos el que muchos roqueros españoles y sudamericanos se pasaran a los ritmos latinos para ganar en comercialidad. Yo le dije: ¿hay alguien en el mundo de la musica mas comercial que los Beatles? y sin embargo siempre hicieron lo que les dió la gana.
Aparentemente el Album Blanco fué un suicidio comercial en su momento; lleno de experimentos y demasiado ecléctico (hasta George Martin les recomendó que lo redujeran a un solo LP sencillo) pero hoy en dia es considerado el preferido de muchos musicos cuando eligen su album preferido de los Beatles.
El mismo George Martin explica en la biografia de John Lennon y escrita por Philip Norman como componian Paul Y John:
"Paul sacaba una melodía del piano o la guitarra y luego pensaba "¿Qué letra puedo ponerle?" John desarrollaba más bien las melodías sobre la marcha. Por lo general construía una canción sobre una estructura de acordes que iba rasgueando y encontrando en la guitarra hasta tener una secuencia interesante. Después de eso, la letra era más importante que todo lo demás. Solían salirle muchas veces haciendo un monotono, una sola nota que iba interrumpiendo al ritmo de las palabras. Nunca arrancaba componiendo una melodía y poniéndole una letra. Pensaba siempre la estructura primero, el contenido armónico de la letra, y luego la melodía salía de ahí"...

domingo, 14 de marzo de 2010

Componiendo canciones (21) Abba y el poder del pop


¿Existe un grupo que combine despues de Los Beatles la calidad con la comercialidad? ¿que tenga tantos numeros unos en todo el mundo? ¿que triunfen igual en Alemania, Japon, Australia, USA o el difícil mercado inglés?
Si existió y ese grupo se llama Abba. Y dominó la decada de los 70 y los 80...y aun despues de su separación ganan batallas como el Cid Campeador...
Dos excelentes voces femeninas (la rubia Agneta, la morena Ann-Frid), pero sobre todo dos excelentes compositores que sabian perfectamente lo que era un gancho melódico, el poder de un gran riff, la cantabilidad de un buen estribillo o el impacto de un buen título.
Sorprende al oir las canciones hoy en dia lo sólido de las melodías, lo buenos que son los gimmicks o ganchos melódicos. La base de piano de "Ring Ring" que luego utilizarian Supergrass en su primer single "Alright". Las contramelodias de piano en "Waterloo" y la melodia vocal tan alegre sobre la base de rockanroll, la nostalgica tonada de "Fernando" con el bajo contestando a las voces y la intro con aires incaicos; los ritmos y pianos de "Dancing Queen" siempre utilizando una melodia triste a pesar de que utilizan ritmo disco; la fabulosa intro de piano y guitarra electrica de "Mamma Mia" y el estribillo donde solo están voces y piano; la melodia inicial cuasi clásica de "S.O.S" mezclada con la urgencia del puente de la canción. Definitivamente las canciones de Abba son un tratado completo del mejor pop.

¿Y como componian estos genios?.
No tenian un método muy complicado: por lo visto Benny Anderson el barbudo pianista tocaba melodias en su teclado y Borjn Ulvvaeus, el barbilampiño guitarrista tocaba acordes.

"Nuestro método de componer, ya que ninguno de los dos sabia música -dice Benny- era que yo le lanzaba melodias y él a mi acordes. Sobre esto componiamos la base melódica y siempre nos ha funcionado bastante bien. La letra era lo mas dificil. Asi que primero interpretamos el tema haciendo onomatopeyas y palabras lógicas sin sentido. Menos mal que las paredes del apartamento eran gruesas, si no, tal vez nos habrían mandado al manicomio..."
A pesar de ser tan prolíficos Benny opina que solo con el trabajo nacen las canciones: "nunca me ha llegado la inspiración en la calle, siempre ha sido después de horas y horas sentado ante el teclado..."
"Sobre las melodias hechas por Bjorn y por mi, surgía una letra apropiada o Stig (colaborador y manager) nos presentaba una letra suya. si algún aspecto del tema no gustaba, era rechazado de plano." "Hay muchas buenas canciones que no pasaron los controles"
Lo que mas me llama la atención de muchos de los títulos de las canciones de Abba era que se pudieran entender en cualquier idioma: Ring ring, Mamma mia, S.O.S., Fernando, Waterloo,etc. lo que deja claro su vocación internacional desde el principio de su carrera.
Benny decia en una entrevista :"Cerca de un tercio de las canciones que Bjorn y yo hemos escrito, han sido éxito...pero esas canciones tuvieron la suerte de no haber sido visadas pero un jurado de expertos, sino por millones de compradores en todo el mundo".
Larga vida a Abba.

martes, 9 de marzo de 2010

Componiendo canciones (20) A vuelta con las letras de las canciones


Este pasado domingo El Pais Semanal hacia un excelente reportaje sobre el enorme poeta Miguel Hernández, y entre todos los articulos destacaba uno de Serrat sobre las relaciones entre poesia y musica, poesía y canción, y sus experiencias trabajando con poetas vivos y muertos. Muy interesante las reflexiones del maestro de compositores Joan Manuel Serrat sobre el hermanamiento de palabra y música:
"No toda la poesía vale para ser cantada. Cierto que a todo se le puede poner música y que todo puede ser cantado, desde la guía telefónica hasta el manual de instrucciones de un lavavajillas, pero es dudoso que textos de este calado alcancen a conmover a un auditorio como se espera de una buena canción.
Por lo general y salvo excepciones, una buena letra de canción tiene una estructura, un ritmo, una rima, un murmullo que la mece y la transporta mansamente hasta el oído, donde un argumentario manejado con sensibilidad se encargará de acercarla al corazón.
Luego está la música, pero eso ya es otro cantar.
No toda la poesía vale para ser cantada, ni todos los poetas sirven para escribir canciones.
A lo largo de más de cuarenta años de dedicarme a este oficio y de haberlo intentando de maneras varias, incluyendo tentativas de colaboración con plumas contrastadas y brillantes, en alguna ocasión me sorprendió la simpleza de los textos con la que algún reconocido hombre de letras respondió a mis requerimientos de escribir canciones en complicidad. Quizá el vate, convencido de antemano de que la canción popular no pasa de ser un arte menor mas cercano al alfarero que al escultor, cayó en el pecado que denunciaba Antonio Machado: despreciar cuanto se ignora, aunque también cabe la posibilidad de que el buen hombre no supiera hacerlo mejor. Bien sea por lo uno o por lo otro, mi experiencia me reafirma en que de la misma manera que detrás de un buen autor de canciones no hay necesariamente un buen poeta, tampoco al revés o viceversa.
Afortunadamente, también existen García Lorca y Rafael de León y Manolo Vázquez Montalbán y Mario Benedetti, por citar algunos magníficos letristas de canciones por derecho y, al tiempo, buenos poetas como muestra de que entre poesía y canción no media una frontera clara.
A este grupo de poetas manifiestamente musicales corresponde Miguel Hernández. Versos de rima clara y cadencioso ritmo que vienen de fábrica con la música puesta. Poesía escrita para ser cantada..."
Chapeau Joan Manuel, no se puede decir ni mas alto, ni más claro.

martes, 27 de octubre de 2009

Componiendo canciones (19) The Smiths y su primer disco


En una Inglaterra tatcheriana dominada por el tecno-pop y los Nuevos Románticos surgen The Smiths, un grupo de Manchester dispuestos a reivindicar el pop de guitarras mezclado con la mas emocionante poesia urbana.

El grupo giraba en torno al dúo: Steven Morrissey (un antiguo fan de los New york Dolls y poeta aficionado que será el letrista y el cantante ) y Johnny Marr, el compositor de la musica y que pronto se revelará pesar de su juventud (21 años) como un guitarrista seguidor de la tradición pero al mismo tiempo revolucionario en el concepto y tratamiento de los arreglos de guitarra.

Johnny Marr había aprendido sus primeros acordes a los 12 años. Era un fiel seguidor de T.Rex, Neil Young, Bo Didley, George Harrison y de la nueva ola neoyorkina (Patti Smith, Television, Talkin Heads). A todo esto sumaba una devocion por el guitarrista de Chic, Nile Rogers y por determinados guitarristas del folk britanico.

Despues de formar parte de un par de combos punks y recibir algunos lecciones de Billy Duffy, futuro guitarrista de The Cult, decide ir al encuentro de un extraño personaje del que le habian hablado y que vivía encerrado en su casa escribiendo poemas y viendo peliculas antiguas. Desde este primer encuentro Marr y Morrissey acuerdan quedar para componer canciones para otros artistas al modo de unos Leiber-Stoller modernos, pero Johnny viendo los progresos de Morrissey como cantante le anima a formar juntos una banda. Para ello eligieron el nombre mas vulgar, realista y sencillo que se les ocurrió: The Smiths que era como decir Los Pérez o Los García en España.

El siguiente paso eran conseguir una sección rítmica competente. Para el puesto de bajista Johnny pensó en un antiguo amigo de Manchester, Andy Rourke que ya habia militado en alguna de las bandas de adolescencia de Johnny. Andy Rourke se revelará como un bajista muy elegante, capaz de pulsar un energico tema funkero ("The Headmaster Ritual") o también de adornar la canción con contramelodias al mas puro estilo maccartniano como es el caso de "Heaven Knows Im Miserable Now".


Para el puesto de bateria pensaron en el miembro de un oscuro grupo punk de Manchester: Mike Joyce, capaz tambien de tocar la percusión desde lo mas enérgico hasta la balada mas comedida.

A finales de 1983 lanzan lo que será su primer single "Hand in glove", un tema basado en los arpergios de acorde mayores do y re, remarcada habilmente por una serie de breaks sincopados de bateria-bajo-guitarra, adornada además con una intro de armónica (cortesia de Johnny Marr). La melodia vocal es de una tristeza infinta y habla de un amor único e imposible: " No, este amor no es un amor cualquiera... este es distinto"

En la cara B de este single una cancion con un gran riff guitarrero con una pizca de distorsión:" Handsome Devil". Una canción que será polémica por su letra.

A partir de aqui The Smiths seguiran una politica que ya habian ensayado The Beatles en los años 60. Los singles y los Lps tendran vida independiente y rara vez los singles seran publicados en los discos grandes.

Otra novedad seran las portadas de todos los singles y Long Plays diseñadas por Morrissey y con fotografias en blanco y negro de alguna rara pelicula antigua y convenientemente viradas hacia algun color. En el caso de este primer disco hacia un rosa fuerte, que junto al torso desnudo del actor Joe D'Alessandro en seguida llaman la atención.

El segundo single de The Smiths si que causará¡ un gran impacto, no solo en Inglaterra sino en toda Europa: "This Charming Man" con su impresionante intro de guitarra ritmica sincopada y reminiscente del afrobeat. A todo esto le sigue unas lineas de bajo funky que llevan el peso de la canción mientra Johnny Marr va llenando la cancion de arpegios y mas arpegios ultramelódicos y cristalinos con su Rickenbaker 330 Jetglo. Morrissey mientras tanto canta una arrebatadora melodía de corte meláncolico.
Recuerdo cuando lo escuché por primera vez en Radio 3. Solo me dieron ganas de salir corriendo a la tienda de discos mas cercana y hacerme con el disco. No sé si han experimentado esa sensación... "This Charming Man" no salió en el LP original pero si lo hara¡ posteriormente en las ultimas reediciones del cd.

El disco The Smiths naturalmente fué uno de los discos mas importantes del año 84, pero su valor real radica en la influencia que ejerció en generaciones de guitarristas posteriores. Noel Gallagher cuenta el impacto que le supuso cuando vió en la tv a un jovencisimo Johnny Marr con su corte de pelo a lo Brian Jones y su Gibson 335 Cherry Red con vibrato bigsby. Ese dia Noel decidió que queria ser guitarrista de rock.
Importantes guitarristas actuales como Bernard Butler o Colin Greenwood de Radiohead lo citan entre sus principales influencias.
Este aspecto visual tambien es de destacar en las apariciones publicas de The Smiths. Johnny Marr siempre aparecerá en los conciertos o videos con guitarras "clásicas": Telecasters con bigsby, diversas Grescht, Les Pauls, Rickenbackers, Stratos. Johnny reivindica el valor de las guitarras antiguas no solo como productoras de sonido sino como iconos visuales del rock.

Otra curiosidad en el estilo guitarristico de Johnny Marr es la ausencia de solos. Su originalidad radica en las texturas que crea con las guitarras rítmicas, las afinaciones alternativas y el uso de sencillos motivos melodicos mediante el arpegio. Para Johnny la guitarra siempre esta al servicio de la canción. Con mucha razón la revista americana Guitar Player le calificará años mas tarde de guitarrista anti-héroe. (en el ultimo disco de estudio de The Smiths, Johnny se permitió un solo muy sencillo en el tema "Paint A Vulgar Picture"). Johnny Marr demuestra además ser un gran armonicista, un mas que competente pianista y un magnífico arreglista de cuerdas en los posteriores discos de The Smiths.

El disco comienza con "Real around the fountain": Ritmo de balada y preciosa melodia vocal, adornada por los arpegios limpios de las guitarras y un cautivador piano a cargo de un entonces desconocido Paul Carrack. Johnny comentaba en sus primeras entrevistas que aprendió a orquestar las canciones tratando de emular con la guitarra los metales en los viejos discos de los Four Tops y The Temptations.
"Real around the fountain" parece a primera vista una canción convencional de cuatro acordes: LaM-MiM-ReM-Fa#m, pero la canción tiene truco: Johnny habilmente le coloca una cejilla en el 2º traste a la guitarra, transformandose la tónica ahora en SolM, con lo cual la posibilidad de adornar los arpegios se amplifica y esto lo saben de memoria los musicos de country.

"You everything now" es un corte de tintes funkys con una melodia rabiosa de Morrissey. Lo mejor de este tema sucede en el estribillo: De los rasgeos de guitarra se pasa a una serie de intrincados arpegios que le dan a la cancion la originalidad que le faltaba a las estrofas. De nuevo los acordes son transportados a fa#.

"Miserable lie" comienza con unos acordes bastante sencillos para cambiar a mitad de la cancion el espiritu de la misma, merced a unos ritmos psicobillies, habilmentes remarcados por el contundente ritmo del bajo-Batería.

"Still ill" es una de las canciones mas curiosas y originales del disco y que coloca a Marr como un guitarrista con voz propia: la cancion gira a traves de unos arpegios sincopados de rara belleza, creando con la guitarra una melodia propia, independiente de la melodia vocal. La pasional letra de Morrissey hace el resto "no, no podemos aferrarnos a los sueños, a los viejos sueños...¿Rige el cuerpo a la mente o la mente al cuerpo?...no lo sé"...

"I dont owe you everything" es quizás la canción mas sesentera del disco con unas guitarras que son puro jingle jangle. No en vano Sandie Shaw la versioneará¡ unos meses después con The Smiths al completo en la instrumentación.

"What diference does it makes" es el tema mas rockero del disco con su riff distintivo que aparece a lo largo de toda la canción. Sin embargo lo mejor de ella es el entretejido de guitarras que consigue Marr y que sobre todo se aprecia en el ultimo minuto de la canción. Las texturas guitarreras a base de varias pistas, que Johnny consigue en esta canción son impagables.

Johnny Marr explicaba años mas tarde lo mucho que le debe al productor de este disco John Porter, antiguo bajista de Roxy Music. Según Marr, John Porter le dedicó todo el tiempo posible a la grabación de las diferentes pistas de guitarras; probaturas con diferentes microfonos, amplificadores (preferentemente el Fender Twin reverb y el Roland Jazz Chorus 120) y la distancia y altura entre estos.

John Porter no entendía como otros productores le dedicaban 3 y 4 dias a grabar y sonorizar una bateria y a las guitarras se las dejaba para los ultimos dias y a toda prisa. Porter le comentaba a Johnny que si este era un disco de guitarras lo normal era dedicar el mayor tiempo a ellas.

En definitiva The Smiths es un disco que marcará una época y cuyos ecos llegan hasta la música que se hace en estos momentos. El primer disco de The Smiths es un disco aparentemente muy convencional pero que encierra muchas enseñanzas que no se captan a la primera y eso es mucho decir cuando te compras un disco.