Componiendo canciones (12) ¿Como se compuso?

“Sin documentos”, de Los Rodríguez
Por Andres Calamaro
La canción nace en Madrid. Tal vez la hice en una casa de la calle Martínez Campos o quizás en la sala de ensayo de la calle Tablada número 25, donde está filmada la película de Almodóvar Laberinto de pasiones. Los documentos, por ejemplo la cédula de identidad, son parte de nuestra cultura y de la idiosincrasia policial. Para los de mi edad está relacionado con la persecución y la represión, era un asunto bastante heavy con la policía, y lo sigue siendo. Además, para los extranjeros en Europa también es importante: la mitad de Los Rodríguez estábamos indocumentados. Estábamos conquistando España sin documentos, lo cual era divertido. Pero la letra es estrictamente sentimental. Es otra estúpida canción de amor, indudablemente. Es el varón frente a la amplitud del corazón latiéndole. La constante de esa letra parece ser el insomnio, el romance, una idea vacía y el paso del tiempo. Muchas veces se piensa que una canción es letra y música, pero en realidad, son muchas más cosas... Aunque la música y la letra parecen balanceadas, creo que hay otras cosas que la hacen un poco más importante, como el fervor y un buen título. “Sin documentos” tiene esa particularidad: el pueblo las pudo cantar con el brazo en alto. Otra estrategia es el intervalo, el primer acorde es un Sol Menor muy sencillo y yo empiezo a cantar en un Re, en la quinta... ¡Cómo suena esa distancia! Es lo mismo que en “Mil horas”, “Días distintos” y “Para no olvidar”. El mismo intervalo, el mismo tono. Me parece que deliberadamente estaba usando cosas de “Mil horas” diez años después, para ver si podía repetir esa sensación triunfal.

(Del libro de Maitena Aboitiz "Antologia del rock argentino"

Componiendo canciones (11) Las canciones de dos acordes

Me recordaba mi amigo y socio musical Miguelo Arencibia unas declaraciones de Lou Reed en las que contaba que cuando trataba de componer una canción lo hacía siempre sobre un acorde, si aparecia otro acorde la cosa se complicaba y si la canción tenía tres acordes entonces para Lou esta se convertía en puro jazz.

No vamos a llegar a tanta ironía, pero hay que reconocer que existen canciones magníficas con solo dos acordes. En España sin ir mas lejos tenemos a Radio Futura que siguiendo las enseñanzas de los Talking Heads crearon enormes canciones de solo dos acordes: "Escuela de calor"(LA-Sol), "No tocarte"," En el chino", todas ellas con un elemento funky muy acentuado. A mi me intrigaba especialmente porqué "Escuela de calor" me resultaba tan buena y divertida teniendo solo dos acordes. ¿donde radicaba el truco? ¿en la letra tan oscura y tan llena de imágenes? ¿en el pegadizo riff de Enrique Sierra?¿en la intro de bateria de Solrac? ¿en la melodía vocal de Santiago Auserón?. La gente habla mucho de "La chica de ayer", pero para mi hay un antes y un después en el pop español cuando se editan "la estatua del jardin botánico" y "Escuela de calor"

The Police hicieron varias veces el truco de los dos acordes en canciones como "One world" o "Too much information".Y siempre con magníficos resultados.

También estan las canciones de cuatro, cinco acordes, pero donde la estructura principal de las estrofas se asienta sobre dos acordes principales que se suceden a lo largo de la canción: "My girl" de los Temptations, "Walk on the wild side" de Lou Reed, "Angel of Harlem" de U2. Todas estas hacen el clásico cambio de Do Mayor a Fa Mayor., que aprendíamos cuando empezabamos a tocar la guitarra. (¡Que díficil resultaba hacer el fa con el dedo índice!)
Un cambio muy interesante para las canciones ocurre cuando estamos en tono mayor y luego cambiamos al relativo menor. Por ejemplo de DO Mayor a LA menor: Esto pasa en la estructura principal de canciones como Marie is the name (his latest flame) que cantaba Elvis Presley ,y en el que The Smiths se inspiraron en su segundo disco de estudio para componer "Rusholme ruffians", otros ejemplos son "You really got a hold on me" de The Miracles y "Itchyoo park" de Small Faces.

Una variación muy sugestiva es cuando los dos acordes son menores, como sucede en "Losing my religion", que va de Mi menor a la menor o "The Model" de Kraftwert.

Tambien resulta interesante ir de un acorde menor a un acorde mayor como acontece en "Spirits in the material world" de The Police, que en la estrofa va desde el la menor hasta el Sol mayor. O "My sweet lord" de George Harrison y "Venus" de Shocking Blue, que van desde el Mi menor al La mayor (En el caso de "My sweet lord" habria que poner una cejilla en el 2º traste con lo que el mi menor se convertiría en Fa# menor y La se transforma en Si mayor.

En las canciones de dos acordes son muy importantes las lineas de bajo, que le pueden poner el sabor, el toque añadido, las especias en terminos culinarios a algo que en principio puede parecer aburrido y reiterativo. Una armonización inteligente en canciones de dos acordes pueden hacer de la canción algo memorable.

En definitiva para componer canciones no hay normas, no hay fórmulas infalibles, no hay reglas inmutables: cada uno debe guiarse por el instinto y no es mala idea empezar con solo dos acordes para no complicarnos la vida. Muchas veces, menos es mas.

Componiendo canciones (10)¿Como se compuso?

“De música ligera”, de Soda Stereo
Por Gustavo Cerati:
Mis padres tenían una caja de discos que se llamaba “Clásicos ligeros de todos los tiempos” donde había música de películas, obras clásicas y de todo, mezclando Mozart con Ennio Morricone. Esas palabras me habían pegado mucho y a mí me quedó sonando siempre la frase de “clásicos ligeros”. ¡Todo el tiempo vuelvo a lo que hacía cuando era chico! Es un momento en el que salieron muchísimas cosas: ideas musicales, ideas con la guitarra y cosas que ahora no se me ocurriría hacerlas. Por otro lado, había participado en el disco Conga, de Daniel Melero, tocando en un tema que se llamaba “Música lenta” que decía: “serán los efectos de la música lenta”. Y fue como una especie de respuesta velada, porque me impulsaron esa misma canción y los efectos de la música lenta. Después me acordé de los clásicos ligeros y de la música ligera, y empecé a escribir sobre lo que significaba un poco la idea del pop. Por un lado, no podés zafar de ello y siempre está bueno escuchar una canción así, donde no tenés ni qué pensar, porque simplemente está y te arrasa. Por otro lado, no es que te quede tanto, sino que es sólo un momento en la vida. Fue uno de los temas más instantáneos que tuvimos con Soda Stereo. Fue llegar a la sala, empecé a tocar el riff, y salió. Musicalmente, lo creamos los tres. La letra la escribí ahí mismo, no entera, pero parte sí. La mayoría de las veces la motivación para escribir, la inspiración, te sale de la misma música. La misma música tiene los ingredientes necesarios a la letra, hay algo de lo que me está hablando la música. En este caso era lo más liviano y lo más pop que podía imaginar, era como una canción que había estado guardada durante mucho tiempo ahí. Lo primero que siempre escribo es el estribillo, que aquí fue: “de aquel amor de música ligera”. Después habla de la música en sí: “ella durmió al calor de las masas y yo desperté queriendo soñarla”. ¡Es eso, es la música hablando! Entre nosotros sentíamos y sabíamos que ese tema iba a reventar. A veces lo sentís eso. Y por la forma tan instantánea en que salió fue como si la hubieran tocado diez mil grupos antes. Quizás no fue así... ¡la tocaron diez mil grupos después!

(Del libro de Maitena Aboitiz "Antología del rock argentino"

Componiendo canciones (9) Las canciones de un acorde

El ejemplo de canción hecha sobre un solo acorde que sea conocida por mucha gente y que además es una gran canción, es el último tema del disco de The Beatles, "Revolver": "Tomorrow never Knows".
Aquí tenemos a John Lennon en plan avant-garde. John Lennon en estado puro, experimentando.
A Lennon se le ocurrió hacer una canción que fuera casi como un mantra en el acorde de Sol. La letra estaba inspirada en el "Libro tibetano de los muertos", que leia por entonces.
Los Beatles para adornarlo grabaron una serie de loops con diferentes ruidos y lo fueron sincronizando con los rudimentarios medios de Abbey Road en esa época. Todavía se grababa en 4 pistas. Aunque la idea inicial de Lennon era que cantaran unos monjes tibetanos auténticos.
El resultado: una de las canciones que mas sorprendió a los oyentes de la época y que demostraba que los Beatles evolucionaban al ritmo de los tiempos. Y canción que no ha perdido actualidad.
Naturalmente "Tomorrow never knows" tenía antecedentes dentro de su discografía: casi toda la primera estrofa de "Ticket to ride" esta cantanda en el acorde de La mayor . A los siete compases de estar en La mayor ("drivin me mad , its going away") viene el primer cambio de acordes a Si menor.
Tambien las estrofas de "Paperback Writer" estan cantadas en el único acorde de Sol. Otra cosa son los estribillos donde ya hay cambios armónicos.
"Tomorrow never knows" proviene de las influencias de la música hindú que empezaron a manifestarse en el Rubber Soul. Sobre todo fué George Harrison el catalizador de esta corriente dentro del grupo dado su interés en la cultura india. En la discografía de The Beatles podriamos hablar de canciones como "Love you too", "She said, she said", "Rain"en donde se escucha claramente este tipo de estilo.
Otras canciónes conocidas construídas alrededor de un solo acorde son "Exodus" de Bob Marley en La menor y "Careful with that axe, Eugene" de Pink Floyd en do# menor.

Componiendo canciones (8) el ritmo

Las canciones se basan en la conjuncion de letra, melodia, armonía y ritmo. Ya hemos hablado de la letra, de la melodía, de los riffs. Hoy vamos a hablar de algo del que tengo un conocimiento mas intuitivo que práctico: el ritmo.
El ritmo no es menos importante que la armonia y la melodia, aunque muchos compositores no le den mayor importancia.
Dentro de la musica rock, que es la que estamos tratando mayormente en este blog, el ritmo mas utilizado es el 4/4, seguido del 3/4. tambien se utilizan otros ritmos como el 2/4 , el 6/8, el 12/8, etc.
El ritmo en las canciones viene marcado por la batería y la manera de golpear del baterista, su uso del bombo, caja, charles, toms y demas platos es lo que puede hacer distintivo una canción. Un batería tocando el mismo ritmo que otro bateria puede engrandecer o empeorar una canción.
En las canciones folk el ritmo viene implicito en la manera de rasguear la guitarra.

Reconozco que no soy una persona muy versada en ritmos, pero como oyente siento que determinados patterns o patrones de bateria me tocan la vena sensible., me hacen mover las piernas o me elevan una canción que puede parecer aburrida.
Pero algo de eso le pasaba a John Lennon que se encogia de hombros cuando le explicaban que "Good Morning, good morning" la habia compuesto en el inusual ritmo de 5/4 . Como diciendo: yo pasaba por aqui y no se muy bien que ritmo le queria dar a la canción.

En estilos como la música soul ya sea de Motown o Atlantic-Stax el ritmo es tan o mas importante que otros elementos de la canción. Esto último lo leí una entrevista con el gran compositor de la Motown Lamon Dozier. La discográfica Motown tenia por lo visto un par de baterias (Uriel Jones muerto recientemente) de estudio que fueron los que les dieron el caracteristico sello a las canciones de The Supremes, Marvin Gaye, the Temptations o Stevie Wonder. Uriel Jones merece un monumento solo por tocar en la grabación de "Aint no mountain high enough" , la fabulosa canción de Marvin Gaye y Tammy Terrel.
O el baterista Al Jackson de los estudios de Stax y que grabó todos los discos de Wilson Pickett, Otis Redding, Sam and Dave y demas figurones del soul sureño: "Hold on, I´m coming", "Respect", "I can´t turn you loose", "Green Onions", "(Sitting on) the dock of the bay", etc. ¡fabuloso Al Jackson!

En la música disco de los 70 que es heredera del soul de los 60, el ritmo y los tempos cada vez mas acelerados son primordiales para que los Travoltas de la época se desmelenaran en las discotecas, boites y demás antros nocturnos.

En el rock el uso de la bateria como elemento fundamental hace que los buenos bateristass se valoren al alza. Los Beatles no ficharon a Ringo Starr por un simple capricho. Ya lo habian visto tocar en Hamburgo y solo hay que escuchar el rotundo uso de los parches en "Twist and Shout", el toque original de "Ticket to ride","Come Together" o la intro de "Paperback Writer" para entender porque Ringo era tan bueno, aunque muchos enteradillos de la época lo tildaran de bateria mediocre.
¿Y que me dicen de Keith Moon?. La musica de The Who no hubiera sido la misma sin un bateria tan explosivo e inventivo.
Otro bateria magistral y que marcó el rock de la década de los 70 es John Bonham y su golpeo profundo y elegante. Su uso del pedal de bombo marcan muchas canciones de Led Zeppelin.

Finalmente unas pocas lineas para hablar del bateria mas imaginativo a mi modo de ver de las tres últimas décadas: Stewart Copeland (je, je, je, la foto del post me ha delatado...). Solo oirlo tocar en los primeros compases de "Roxanne" te da la medida de lo que se va a convertir mas tarde. Stewart Copeland hizo un uso tan sofisticado y potente de los ritmos reggae mezclandolos con los ritmos mas rockeros (a veces ritmos étnicos) que creó escuela. Manejaba todos los elementos de su Tama (especialmente el charles) como pocos. A mi especialmente me llamaba la atención unos tambores delgaditos y alargados y que nunca se los había visto antes a ningún baterista. Luego supe que se llamaban octovanes.
Stewart Copeland es un batería exhuberante y sencillo al mismo tiempo, nunca hizo un solo en un disco, pero te puedes pegar horas prestando atención a su manera de tocar y a su "sonido". (Me encanta oirlo golpear los parches en "One world", "Too much information","No time this time" o en "Bombs away"). Al hacer Sting un uso tan minimal de las lineas de bajo provocaba que el sonido de la bateria este tan presente en las grabaciones de The Police.

Asi que si no tienen una buena caja de ritmos para componer, un consejo: ¡contraten a un buen batería!

A los seguidores del blog les pido esta vez que me comenten sonidos o ritmos de bateria que les hayan impactado. (Asi a bote pronto, a mi me encanta el sonido y el feel de la bateria de "Satisfaction" de los Rolling Stones cuando Jagger dice aquello de "no, no, no" y se quedan solos bateria y pandereta (min 1,03), ese sonido para mí es mágico y tan o más importante que el riff de guitarra.)
(Prohibido poner "We will rock you", las normas de buen gusto de este blog asi lo imponen)